Kyuss - Blues For The Red Sun

Hoy se cumplen 20 años de que esta maravilla llegó a las tiendas, y parafraseando - por millonésima vez - al WARpig: "Que díficil es escribir sobre algo que se quiere tanto".

A mediados de 1992, MTV y la radio comercial, ya no eran lo mismo, atrás habían quedado los días en que bandas como Mötley Crüe, Poison y toda esa mierda - erróneamente - conocidas como; glam, atiborraban la programación, articulos y portadas de los medios musicales, ahora "todo" estaba permitido, casi como en el '77 cuando el punk cambió las reglas del juego, a Nirvana, con su Nevermind, le tocó destapar la cloaca y de pronto, todos aquellos grupos que no aspiraban más que a grabar un par de discos y tocar en bares y clubes por el resto de sus días, ahora podían llenar estadios, grabar videos, firmar jugosos contratos millonarios y salir en la televisión. Todo sonaba emocionante, cada semana salían a la luz bandas que te volaban la cabeza, una que otra prefabricada y sin chiste, como siempre, pero la gran mayoría de gran calidad.

En ese momento historico, en  Palm Desert, California, se había estado gestando un movimiento y género al que se denomino: Stoner Rock, por sus tintes psicodélicos e íntimas conexiones con el uso de la cannabis y drogas alucinógenas, dicho estilo músical era encabezado - y prácticamente inventado - por una banda que en sus inicios se llamó: Katzenjammer, despúes; Sons of Kyuss y por último, simplemente: Kyuss.

Su primer alineación oficial - la mejor que jamás tuvieron - consistía en: John Garcia (vocalista), Brant Bjork (batería), Nick Oliveri (bajo) y Josh Homme (guitarra), para inicios del '92, Kyuss ya traía bajo el brazo un Lp (Wretch de 1991) y un Ep, éste bajo el nombre de Sons of Kyuss, sin embargo, con los antecedentes poco favorables de su primer álbum, en cuanto a ventas y críticas, nadie daba mucho por ellos y mucho menos se podían imaginar lo que estaba por suceder, se fueron al Sound City Studios en Van Nuys, California - donde por cierto se grabó parte del Nevermind - y ahí grabaron el disco que define a la perfección el termino; Stoner, y sin duda alguna el mejor álbum no sólo de los Kyuss sino de todo el Stoner Rock en general.

Aunque para estos momentos ya estaba a la venta el Spine of God de Monster Magnet, Kyuss creó un trabajo tan perfecto que inmediatamente se erigieron como la banda más representativa e importante del movimiento Stoner, pues a la par de la pesadez y complejidad de sus rolas, también tenían un gancho pegajoso que bandas como los ya mencionados, no poseían, y entonces gracias a ello pudieron colar un par de videos a la MTV y al Much Music.

Muy al contrario de lo que se conoce como. "la maldición del segundo disco", este trabajo los consolidó como los grandes músicos, compositores y creadores que son (una vez separada la banda, nos lo demostrarían con la cantidad de proyectos que cada uno de sus ex-miembros formó).

Todo el álbum - incluyendo Yeah de cuatro segundos de duración - es incréible, una genial mezcla de psicodelia, rock espacial, grunge, doom y metal, el sonido lo consiguió Homme, conectando su guitarra a un amplificador de bajo y unos pedales wah-wah, y esos riffs y solos - como siempre lo he dicho - son de las cosas más originales en la historia, las líneas de bajo de Oliveri (siempre me he preguntado, ¿Por qué le tiran tanta mierda a gente como Jason Newsted, por usar plumilla y al Nick no?), son una mezcla entre funk y groove, perfectos para acompañar los riffs del Joshua, la batería del Bjork, suena maciza y concisa a todo momento, a pesar del sonido tan grave que se escucha en su totalidad, se alcanzan a percibir perfectamente los contras, tarola y bombo, uffffff, y todo esto con el plus vocal y letristico de Garcia (diría que fue su mejor momento, pero después con Unida y Hermano nos demostró que su rango vocal daba para mucho más).

Kyuss es de esas bandas perfectas, no sólo cada uno de los miembros maneja a la perfrección su instrumento, sino que además, todos son compositores y están sumamente involucrados en lo que hacen, por ejemplo, el concepto de este álbum fue idea del Brant Bjork, Blues For The Red Sun se los produjo Chris Goss (Masters of Reality).

¿Tiene caso seguirlos choreando y describirles el álbum, rola por rola?, yo creo que no. 

El track 5, con su mítico coro: "I hate slow songs!!!". Ver a Oliveri con el cabello largo, sigue siendo de las cosas más raras para los fans de Queens Of The Stone Age, y el John con su camisa de franela, asegurando así - al menos de primera vista - que los grungeros los voltearan a ver.

Este es el track 2 y lo compusó Bjork... en el video ya no sale Oliveri, pues un poco después de que terminaran el disco su padre falleció y decidió abandonar la banda, lo sustituyó: Scott Reeder (The Obsessed), con sus incréibles dedos-púas.

Si por alguna extraña razón nunca han escuchado esta obra maestra del rock gringo, este es el momento, así de paso, si me ven por la calle o en una peda, no me volverán a preguntar: "¿Qué significa Kyuss?" y "¿Por qué lo traes tatuado en el cuello?"... 

PIL - This Is PiL

Muy poco - o nada - les puede interesar el Public Image Ltd. a las nuevas generaciones; no tocan guitarritas tipo Strokes pero tampoco guitarrotas ensordecedoras, y lo que ellos hacen, nada tiene que ver con el sonidito de moda, los Pil son una mezcolanza de dub, disco, dance hall, pop, two tone, mucha queja y humor ácido (muy inglés el pedo).

Hace 20 años que no grababan nada, el en vivo AliFE del 2009 no cuenta, John Lydon - antes Rotten - fundó Pil, junto a Keith Levene (guitarra) y Jah Wobble (bajo), en 1978,  después del "chasco" que significaron los Sex Pistols, sus tres primeras grabaciones: First Issue (78), Metal Box (79) y The Flowers of Romance (81), más el single; This Is Not A Love Song (83) son una maravilla de la cultura popular, y van del post-punk al electroclash, pasando por el dub, disco y new wave, sin embargo, a partir del; This Is What You Want... This Is What You Get - que desde el título te advierte hacia donde va el grupo - del '84, comenzó la decadencia, y se atrevieron a grabar cuatro discos más, horrendos todos, para el '92, con la llegada del grunge y rock alternativo a las listas, Pil ya no podía mantenerse en pie y decidieron pasar a mejor vida. Lydon reformó a los Pistols para un par de giras, grabó un disco solista, escribió su autobiografía y en el 2009 revivó al Public Image..., para hacer una cuantas giras, ya en 2011, justo un año después de la muerte de su hijastra: Ari Up (Ariane Daniele Forster), vocalista de The Slits, anunció el lanzamiento de su propio sello discográfico (PiL Official), y bajo éste, el Record Store Day (21 de abril) salió a la venta un Ep de cuatro tracks - todos incluidos en This Is PiL - y un mes y medio después, llegó a las tiendas su noveno LP, décimo si contamos el Commercial Zone (inexistente hoy en día).

En este trabajo Lydon se hace acompañar por: Lu Edmonds (The Damned), guitarra y banjo, Scott Firth, bajo y sintetizador, y Bruce Smith (The Pop Group), batería. John hizo un comercial para mantequilla (Country Life), y según él, todas las ganancias de dicho anuncio, costearon la grabación y producción de este disco.  

This Is PiL, comienza con unos sonidos guturales y gritos de Lydon "explicándonos" - a manera de bienvenida - que chingados es Pil, el segundo corte; One Drop, es el primer single que se desprende de esta obra, y es un semi reggae-ska, para poner de buenas a cualquiera, el siguiente; Deeper Water, trae un riff y ritmo hipnotizante, que te obliga a mover los pies aunque no quieras, Terra Gate, es lo más cercano al Pil "punk", con guitarras rápidas y un cierto descontento en los coros, el track 5; Human, sin duda es mi favorito, con sus guitarras y teclado con efecto hipnótico, que mucho le debe al primer Massive Attack, además de traer un solo muy simple pero impresionante, I Must be Dreaming e It Said That, pasan un tanto desapercibidas entre tantas canciones perfectas, aunque traen un par de rechinidos de guitarra bastante buenos, en cambio; The Room I Am In, es una joya, el intro nos recuerda a The Hearts Filthy Lesson de David Bowie, el speech al Demo(N)Crats de los Crass, y obviamente a Religion I del First Issue, Lollipop Opera, rompe con el ambiente sobrio y lúgubre de su antecesora, para darnos un semi rap, bailable, Fool nos regresa un poco la seriedad con un dub bastante lento y denso, Reggie Song y Out of the Woods, son las encargadas de cerrar el álbum, Out of... con sus casi 10 minutos de duración, trae una bassline, beat y solo de banjo, que lo vuelven un track enganchador y pegajoso.

A John Lydon le sirvió de mucho este lapso de descanso, al final de cuentas es el único de esa primera géneracion punk, que está activo actualmente y nos entregó un trabajo bastante respetable, 12 tracks, 65 minutos (es el disco más largo que he reseñado este año).

Grandes guitarras, líneas de bajo, batería y beats precisos, excelente y envidiable producción, en un disco que hará que grupos como; Gorillaz, se mueran de envidía pues este, sí es dubstep inglés de alta caldad.

La crítica lo ha tratado mal, (por la duración de las canciones y por el antecedente de sus tres grandes obras), pero como alguna vez me dijo una amiga: "las canciones largas son para bailar y fajar mientras bailas" y efectivamente, este disco no es una obra de arte, y Lydon sería el primero en declararlo, es simple entretenimiento y en ese aspecto... ... ... no tene fallas.

El primer sencillo y video.

No está mi favorita, así que les dejo The Room I Am In.

The Hives - Lex Hives

Siempre he creido que un buen álbum, desde su portada te lo anuncia, hay excepciones claro, pero este no es el caso, tan simple y complejo como; una fotografía en blanco y azules, de cinco tíos (los integrantes de la banda), vestidos de Frac y sombreros de copa, iluminados de frente y que sus sombras proyectan sobre el suelo... el nombre de la banda.

12 tracks - 14 sí lo bajan de iTunes, estos dos extra son covers y fueron producidos por Josh Homme - y 31 minutos y medio son suficientes para demostrar que los Hives están de vuelta - desde el 2007 que no nos daban rolas propias, en el 2010 sacaron un Ep (de 7") con tres covers - y sin duda estan en su mejor momento, ya desde su aparición en el Coachella, un par de meses atrás, nos dejaron ver más o menos que traían bajo la manga (con todo y sus roadies disfrazados de ninjas), pero la gran prueba para este año era su disco completo, y creo, que la superaron con creces.

Los Hives tienen en su historia dos prejucios que les han sido muy difícil borrar, el primero: un gran numero de gente idiota suele ligarlos a los Strokes y todo ese rockcillo suave de los dosmiles, pero no, los Hives para el año en que todas esas banduchas empezaron a hacer ruido, ya tenían casi 10 años tocando, tres Lp's, uno de ellos de "exitos" y tres Ep's, bajo el brazo, otra razón para no meterlos en la misma canasta que a los Strokes, Interpol y Yeah, Yeah, Yeahs y demás, es: ¿Cuántas de esas banditas siguen activas hoy? ¿Cuántas de ellas graban discos, y cuántos de éstos valen la pena?.

De ese "movimiento" de garage revival, sólo los White Stripes superaron la prueba del tiempo y al igual que los Hives es porque poco tenían que ver con ese sonidito made in New York del 2001, pero bueno, las disqueras deben meter todo en un mismo saco para vender, vender y vender.

El segundo prejucio con el que deben de cargar es: lo pinche rostro que es el Howlin' Pelle Almqvist, el vocalista, cuando lo ves menear la cola y hacer sus gestos de galán, es muy, muy difícil que tomes en serio al resto de la banda, a simple vista te hará pensar que es una banda para enloquecer chicas, como los arriba mencionados, pero una vez que dejas fuera estos dos "impedimentos" para entrale a este grupo, estarás del otro lado, pues cada uno de ellos son incréibles músicos; Vigilante Carlstroem (guitarra rítmica), Nicholaus Arson (guitarra líder y cómico nato), Dr. Matt Destruction (bajo y que con su bigote y barriga, sin pedos, es uno de los grandes bajistas que hay en el mundo, échense la línea de bajo de Walk Idiot Walk a todo volumen, si no me creen) y Chris Dangerous (batería, que a pesar de no ser un baterista virtuoso hace un excelente trabajo, manejando sin pedos un sin fin de géneros y técnicas para tocar), si a todo esto le añaden un sentido del humor incomparable, tienen enfrente a la mejor y más grande banda de rock que nos ha dado Suecia.

Ese es un muy buen ejercicio: díganme una banda de rock sueca chingona, en menos de 10 segundos, de metal hay un chingo, pero de rock... 

Poco a poco han dejado de lado ese sonido punk garage rasposo - con el que me compraron para siempre - y le han adaptado a sus rolas, un poco de beat disco, coros pegajosos y letras simples, para darnos como resultado; canciones pop perfectas. A ellos les importa poco esto, tienen un objetivo y van sobre el desde hace un par de años: ¡¡ser la banda más grande del mundo!!, la que más vende y la que más atiborra estadios, y hasta el día de hoy, lo han ido logrando, sin prostituirse del todo.

Lex Hives, su quinto larga duración, es su primer disco independiente, grabado en su propia disquera y producido por ellos mismos, de hecho - entre broma y en serio - los créditos aparecen así: "Vocals by The Hives. Guitars by The Hives. Bass by The Hives. Drums by The Hives. Keyboards by The Hives. Produced by The Hives. Rehearsed by The Hives. Performed by The Hives. Imagined by The Hives. Realized by The Hives. From an original idea by The Hives. Based on a true story about The Hives. By for with and because of The Hives. Cover concept by The Hives. Liner notes by The Hives. Special thanks to The Hives.", este trabajo es muy ecléctico en si, todas las canciones hasta cierto punto son distintas, desde el intro; Come On!, te dejan claro que no podrás apagar el reproductor hasta que termine el disco, un par de canciones - Go Right Ahead y Wait a Minute - son muy obvios intentos por entrar a las listas de ventas y radiodifusión, I Want More - con su riff "plagio-homenaje" al I Love Rock 'n' Roll de Joan Jett and the Blackhearts - trae como casi todas, una base rítmica hipnotizante, Without the Money, es su retribución al garage y blues que tanto mamaron en sus primeros años, 1000 Answers, Patrolling Days, These Spectacles Reveal the Nostalgics, If I Had a Cent, de mis favoritas sin duda, representan su regreso al punk rock, el álbum cierra con; Midnight Shifter, una especie de soul, con saxofones incluidos, perfecto para todos aquellos que no han entendido del todo, de donde viene este grupo.

En resumen, es un disco perfecto para caminar, comer, coger, andar en bicicleta, correr, fajar, leer, hacer guitarrita de aire, embriagarse, manejar, fumar, ver porno, bañarse, etc, etc, etc.

De pie por favor, porque estamos frente al disco del verano...

Su primer single:  Go Right Ahead.

Pensaba ponerles mis rolas favoritas, pero... me encontré el álbum completo...

"Lex Hives" by the Hives

Obviamente todas las rolas estan compuestas por una de sus grandes bromas... Randy Fitzsimmons

Off! - Off!

Esta reseña, será corta y rápida, como cada una de las canciones que conforman este trabajo (la mayoría oscila entre los 43 y 70 segundos).

Off! es probablemente el único supergrupo que existe dentro del punk hardcore, se formaron en el 2009 y lo conforman: Dimitri Coats (Burning Brides) en la guitarra, Steven Shane McDonald (Redd Kross) en el bajo, Mario Rubalcaba (Rocket from the Crypt) en la batería y Keith Morris (Circle Jerks) en la voz.

Este es su primer álbum como tal, tienen otro (del 2010) pero es una compilación de sus primeros 4 Eps, uno en vivo y un split con los Melvins, en su totalidad su disco homónimo dura 16 minutos, 16 tracks (17 si lo descargan de itunes), lo produce Coats, sólo hay uno o dos solos en todo el disco, los riffs son muy filosos y contundentes, a la Greg Ginn (Black Flag), el bajo, como en casi todas las bandas punk, thrash, hardcore es imperceptible, excepto en una o dos canciones, la batería suena como camión de basura fuera de control, la voz es desgarradora y las letras pues... son del primer vocalista del Black Flag (inventores del hardcore), así que ya saben más o menos de que van.

Este álbum fue editado en cassette (!?), por Burger Records, supongo que para los coleccionistas de lo absurdo, la canción más larga dura: 1:39.

En resumen, este álbum es un desmadre desenfrenado, para los nuevos: ¡una clase de 17 minutos de como hacer punk-rock-hardcore con huevos!!...

Si alguna vez - como yo - se preguntaron: ¿Cómo hubieran sonado Black Flag, Minor Threat, Middle Class y Circle Jerks bajo una producción apabullante?... he aquí la respuesta.

Su primer single y video oficial.

El segundo video y sencillo.

El arte del disco corre a cargo de su carnalito; Ray Pettibon.

Saint Vitus - Lillie: F-65

Si, sí, me tarde con esta reseña y estuve a punto de ya no hacerla, pero... no importa la tardanza, este disco la ameritaba y a continuación sabrán porque.

Dave Chandler fundó al Saint Vitus allá por 1978 (la mayoría de nosotros ni habíamos nacido), su alineación consistía en; Chandler (guitarra), Mark Adams (bajo), Armando Acosta (batería) y Scott Reagers (vocales), sin embargo grabaron su primer Lp - homónimo - hasta 1984, no les mentiré, sus dos primeros albumes me parecen muy aburridos, todo cambió en el tercero cuando se une a la banda, Scott Weinrich (Wino), él significó un cambio rotundo en el sonido del grupo, los riffs se tornaron más densos, las atmósferas más pesadas y ahí Chandler empezó a explotar no sólo sus riffs moustruos sino también su maestría en los solos y el uso del feedback. Wino - entre 1977 y 1986 - tuvo una banda - llamada: The Obsessed (bandota de doom que merece mención aparate), entre el '86 y el '90 grabó - como vocalista del Sain Vitus - tres discos de estudio, uno en vivo y un Ep, en el '90 Wino reforma The Obsessed y deja a los Vitus, estos últimos graban un par de discos con Chritus Linderson (Count Raven), y Reagers respectivamente, y desde 1996 la banda entró en recesión.

Después de 17 años, la banda regresa con su octavo disco, también después de 22 años fuera de la banda, Wino, vuelve a las vocales, pero no es la alineción clásica pues Armando Acosta no grabó este disco, lo sustituye: Henry Vasquez (Sourvein), es una lástima que no haya grabado este álbum Acosta, pues, aunque me mienten la madre los fans mas agerridos al doom y al Vitus de Reagers, creo que este  Lillie: F-65, es el disco más perfecto en la historia de esta banda.

No me gusta la voz de Reagers, y he ahí el porque le agradezco infinitamente a Wino haber vuelto, Lillie... tiene 7 rolas y dura 33 minutos en su totalidad, además de estar lleno de riffs y solos impresionantes por parte de Chandler, Adams se escucha preciso y denso, y a Wino parecen favorecerle los años, se le escucha con una voz de viejo sabio y vale madres, a la par de ello la batería suena como debería sonar toda batería (hasta parece que se las mezcló Andy Wallace), no hay falla alguna en este trabajo, producido impecablemente por Tony Reed, no dudo en decir que es el disco - de 2012 - más perfecto que he escuchado hasta el día de hoy, trae dos rolas instrumentales que te dejan respirar un poco pues la pesadez de los riffs, bajo, batería y voz en verdad es apabullante, los riffs y feedbacks de Chandler, jamás habían sonado tan bien.

 Lillie: F-65, abre con Let Them Fall, que funge como primer single del álbum, y aunque es una gran canción, creo que es la peorcita comparada a las moustruosidades que le siguen, The Bleeding Ground, es una canción pesada que abre lento y termina por transformarse en una pieza que bien podría ser de sus primeros albumes (esos que estaban más ligados al metal ochentero que al doom), sin duda el único momento del disco donde se puede hacer headbanging, el track 3; Vertigo, es instrumental y te da un pequeño respiro además que sirve de antesala para lo que viene; Blessed Night; comienza con un pequeño feedback que se transforma en un riff perfecto para después recetarnos un solo de ruidos impresionante, a la par de que la melodía vocal de Wino es increíble, y desde aquí al final no dejan de sorprenderte estos viejos; la pista 5; The Waste of Time, te patea el hocico primero con un riff mamut y un solo que seguramente hasta al mismísimo Tony Iommy le dará envidia no haber escrito, aquí la voz de Wino suena tan cabrona que la vuelve de mis favoritas, en verdad hace mucho que no escuchaba una canción tan perfecta, la línea de bajo voló una de mis bocinas la primer vez que escuché el disco, y la batería se escucha nítida, pudes distinguir el bombo, la tarola, los tombs y contras sin ningún pedo, Dependence, creo que es mi favorita, es la más larga del Lillie..., con 7:36 minutos, comienza con un intro instrumental de guitarra y tambores (que nos remite inmediatamente al Black Sabbath) para luego soltarte un riff gigante al cual lentamente se acoplan Wino, Adams y Vasquez, el solo es  - al igual que el final - un feedback ensordecedor, que deja todo listo para el cierre, que de hecho viene pegada a Dependence y  no es más que puro ruido de guitarra por parte de Chandler, Withdrawal se llama, y bien podría llamarse: tributo a Thurston Moore.

Sin aburrirlos más... háganme caso cuando les digo que este trabajo es perfecto y sin pedos, de los 10 mejores del 2012.

Su primer sencillo...

Gracias a este disco mis bocinas suenan horrible, pero... valió la pena, ¡¡súbanle!!! (ya saben, dénle doble click en el nombre).

David Bowie - The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars

Para: Apolo

Desde la portada - una fotografía en blanco y negro iluminada a manera de los comics de los años 50's - sabes que estas frente a un álbum imprescindible. 

Al iniciar 1972, David Bowie tenía cuatro albumes en el mercado y un par de años sin "pegar" en la radio y listas comerciales, los musicos y críticos lo amaban pero el quería el reconocimiento y admiración de las masas, tenía que hacer algo para conseguir esto, se limitó a dar tres golpes; el primero, se declaró abiertamente gay ante la prensa, con los reflectores sobre sí, soltó el segundo; lanzó el sencillo Starman el 14 de abril, por último; el 6 de junio de hace 40 años... nos soltó una bomba títulada: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.

Ziggy - alter ego y personaje más importante de Bowie - viene a salvarnos de la desaparición de la Tierra, ¿Cómo?, ¡¡con una guitarra bajo el brazo, chinga!!!, la humanidad está condenada a desaparecer en 5 años y Ziggy con sus arañas de Marte vinieron a rescatarnos de la catástrofe, y así, con 11 tracks llenos de rock, maquillaje, actitud e imaginación, Bowie grabó su obra maestra.

Seamos justos, Mick Ronson, tiene la mitad de la culpa de que este disco sea una maravilla, ya que hizó sonar su guitarra lo más fuerte, vieja, rasposa y oxidada que se pudo, no nos hagamos tontos, Bowie no inventó el glam - como muchos de sus fans dicen - Marc Bolan ya tocaba de está manera muchos meses antes, sin embargo, sí es uno de los dos discos glam que ha sobrevivido al paso del tiempo (el otro - obviamente - es el Electric Warrior del T. Rex).

El quinto disco de Bowie fue grabado a manera de álbum conceptual y sin duda su creador no volvió a tener ese ingenio y furia en ninguno de sus trabajos posteriores, todavía hizó muchas cosas importantes: revivir las carreras de Lou Reed e Iggy Pop, grabar la llamada; trilogía Berlinesa (al lado de Brian Eno), protagonizar; The Hunger (1983), etc., etc., pero jamás grabó un disco más "pesado" y ruidoso que este.

El personaje tiene su origen básicamente en un par de anécdotas-vivencias de Bowie: el nombre; Ziggy, no se sabe bien si es un homenaje a su amigo Iggy Pop, o a su amiga, la modelo Twiggy, el apellido se lo "robo" a un tío que se presentaba bajo el nombre de: The Legendary Stardust Cowboy, la vestimenta, la tomo de la cinta; A Clockwork Orange (1971), sólo altero "un poco" los colores de los uniformes de los droogs, y la historia, está basada en un tal Vince Taylor, un músico de la era del rock and roll, alcoholico y drogadicto, que gozó de cierta fama a finales de los 50's (en Francia solamente), él escribió: Brand New Cadillac, la que todos conocemos gracias a The Clash, en sus años de decadencia, autoproclamaba ser nuestro salvador y el único hijo de Dios, a la par de que cargaba siempre un mapa de Europa, donde según él, tenía marcado los sitios donde aterrizarían los ovnis que vendrían a nuestro planeta. Con todo esto rondando su cabeza, David fue armando un boceto de Ziggy desde la grabación del Hunky Dory, de hecho The Rise And Fall... mantiene la misma alineación que su predecesor, a excepción de Rick Wakeman, pues ya como miembro de Yes, andaba grabando el Fragile, y así, teníamos a nuestra gran-estrella-alienígena-glam-andrógina, cocinándose.

Una de las mejores historias dentro del mundo del rock ya estaba ahí para contarse, los riffs y solos - cortesía de Ronson - hicieron el resto, estos son memorables y estan ahí para la posteridad, no se puede narrar la historia de la música occidental sin hacer una parada en este trabajo.

Cuando le preguntaban a Bowie sobre esta locura de un extraterrestre andrógino que nos viene a salvar y todo eso, David se limitaba a decir: "¡No quiero salir de mis fantasias para poder subir al escenario, quiero llevarlas al escenario conmigo!!", y así de simple... y fácil, redefinieron la imagen de la virilidad dentro de la música popular.

Aquí aún no se daba la transformación completa... pero ya estaba en proceso, con esta abría el disco.

Acá ya eran todas unas locas... en ese documental y concierto - filmado por D.A. Pennebaker - antes de Rock 'n' Roll Suicide, Bowie dice: "Not only is this the last show of the tour, but it's the last show that we'll ever do", dejando a la audiencia sin habla, después nos dariamos cuenta de que no hablaba en serio.

Miren bien a Ronson por favor... 

Festejemos a esta joya como se merece, con casi 39 minutos de duración, como bien dice en su contraportada: "To Be Played At Maximum Volume". (dénle doble click en el nombre, sino, no jala).

...y aquí les dejo esa mítica reseña que le hizo Richard Cromelin, el 20 de julio del '72, para la Rolling Stone, donde... le da un 99... ... ... de 100, visionario el señor.

The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars...

Dee Dee Ramone

Douglas Glenn Colvin

(18 de septiembre de 1951 - 5 de junio de 2002)

Dee Dee falleció hace 10 años, y créanme que fue una gran perdida para el mundo, a mi me causo especial dolor pues sin duda él era mi personaje favorito de esa banda seminal que se hacia llamar Ramones, ¿Por qué?, pues aparte de que él era el principal compositor de las canciones, era el único que no era ñoño, mientras sus compañeros de banda coleccionaban tarjetitas de béisbol y se emocionaban con comics y el cine de terror, él se metía -literalmente- todo lo que se encontraba; alcohol, pegamento, heroína, ¡lo que fuera!, ¿Cómo chingados no iba a ser mi héroe?

Hijo de una alemana y un soldado gringo, siempre solitario a raíz del trabajo de su padre que lo obligaba a mudarse frecuentemente, durante su adolescencia sus jefes se separan y se va a vivir con su madre a New York, ahí conoce a John Cummings (Johnny) y Thomas Erdelyi (Tommy), que tocaban en una banda llamada; The Tangerine Puppets, según sus biógrafos, en honor a una canción de Donovan.

Después conoce a Jeffry Hyman (Joey) y así tenemos la primer alineación de los Ramones, el nombre lo propuso Dee Dee, y es el apellido falso que daba Paul McCartney cuando se hospedaba en los hoteles, para evitar groupies y fans fastidiosos, se hacia llamar Paul Ramone.

Con Joey (Voz), Johnny (Guitarra) y Tommy (batería), y él en el bajo, prácticamente inventa lo que conocemos como punk, y siempre obsesionado con la velocidad le deja el camino abierto a la creación del hardcore, thrash y demás géneros donde la velocidad y la rabia componen el 90 % de las composiciones.

Ramones es el único grupo -de los tres grandes del punk- que no esta ligado a la lucha social o queja política, a ellos les interesaba más hablar de la vida cotidiana, el aburrimiento y adicciones. La primera vez que van a Inglaterra (en 1976), dejan a los ingleses estupefactos por la velocidad y crudeza del show, conocen y dan su primer "clase" de punk a miembros de futuras bandas como los Sex Pistols y The Clash, estos segundos -en su primer álbum- prácticamente se piratean su estilo y sonido, sin embargo a diferencia de los Ramones, a los Clash sí les va bien.

La historia es muy injusta a veces, pocas bandas en la historia lo han cambiado todo, Ramones fue una de ella, popularizaron el: 1,2,3,4!! (grito de guerra de Dee Dee), nos salvaron de viejos y aburridos dinosaurios (Led Zeppelin, Pink Floyd, The Rolling Stones) y sin embargo, nunca les fue bien, nunca vendieron millones de discos, jamás atiborraron estadios (en el home video: Ramones Raw, se explica un poco el por qué de esto), y se les empezó a reconocer justo cuando empezaron a morir, ahí fue donde la industria los volteó a ver, y les hicieron homenajes, documentales, libros biográficos y se les dio el lugar que se merecen dentro de la historia de la música popular.

Dee Dee abandonó la banda en 1989, grabó un par de discos como solista, incluso un rap (!?), se hizó amigo de esa porquería que era G.G. Allin, escribió una novela (Chelsea Horror Hotel), regresó a los reflectores lleno de tatuajes y sus últimos años se la vivió drogado, falleció de un pasón de heroína.

Los verdaderos fans lo extrañamos mucho, ya son 10 años sin el Dee Dee Ramone, y parece que fue ayer cuando escuchamos la noticia, recordémoslo con el enorme legado que nos dejo.

Ah sí, en algún momento de su vida se prostituyó para comprar droga, ésta habla de eso.

Aghh, discutiendo en pleno concierto, no mamen ¡eran una maravilla!!

Pero miren namás que joya, ladies and gentlemen: ¡Dee Dee King!!