No sé si son los mejores, los más vendidos o los más descargados, sólo sé, que estos 37 platos (aquí del 14 al 25), me quitaron el sueño y no podía parar de escucharlos...
Los links te mandan a leer la reseña que escribí sobre el disco, a escucharlo completo en la página oficial de la banda, YouTube, SoundCloud y The Guardian o en caso de que no esté en la red, al single de dicho trabajo.
No sé si son los mejores, los más vendidos o los más descargados, sólo sé, que estos 37 platos (aquí del 26 al 37), me quitaron el sueño y no podía parar de escucharlos...
Los links te mandan a leer la reseña que escribí sobre el disco, a escucharlo completo en la página oficial de la banda, YouTube, SoundCloud, Taringa! y Bandcamp o en caso de que no esté en la red, al single de dicho trabajo. ¡¡Dense que el mundo se acaba!!!
Este año Dr. Dre - junto a Snoop Dogg y un puñado de invitados - se comió el Festival Coachella, apadrinó a Kendrick Lamar y se convirtió en el músico con mayores ingresos del año (gracias a las ventas de sus audífonos), hace 20 años... grabó el mejor disco de hip-hop de la historia.
Todo comenzó en 1985 en Compton, California. Andre Romelle Young formó una banda llamada World Class Wreckin' Cru, con una fama mínima ésta se desintegró y Andre bajo el seudónimo de Dr. Dre fundó NWA (Niggaz With Attitude) al lado de Eazy-E, DJ Yella, Ice Cube, Arabian Prince y MC Ren y con dicho grupo prácticamente inventó el gangsta rap. Sólo aguantaron estar juntos hasta 1991, y aunque todos se lanzaron en carreras solistas sólo a tres de ellos les fue realmente bien. Eazy-E y Dre tuvieron una serie de disputas que iban desde amenazas de muerte y mentadas de madre, hasta canciones denigrándose mutuamente (el 50% de las rimas de The Chronic son insultos e indirectas para Eazy-E). Todo ello culminó el 24 de febrero del '95 con la muerte de Eazy, pero a finales del '92 tenían una guerra declarada, la cual fue llevada a las listas de popularidad y es por demás obvio quien ganó dicha riña.
The Chronic es el debut de Dre como solista y fue editado bajo su sello discográfico: Death Row Records el cual fundó junto a Suge Knight y Dick Griffey, el álbum toma su nombre del slang con que se le conoce a la marihuana, incluso la portada es un homenaje al logo de Zig Zag (marca de 'sábanas' para forjar cigarrillos), así que, el consumo de cannabis, mujeres, delincuencia, misoginia, autos, violencia y falocentrismo son los temas recurrentes en este álbum. Hay un antes y un después de éste, en términos de producción y grabación sobre todo, estos ritmos funk y soul revueltos con flautas nostálgicas, dieron origen al llamado G-funk. La puerta quedó abierta y cientos de raperos copiaron el estilo, unos con más inteligencia y suerte que otros.
A mediados del '92 Dre nos había presentado un single al lado de su pupilo Snoop Doggy Dogg. Deep Cover era el nombre de esa canción y pertenecía al soundtrack de la cinta del mismo nombre, por ello cuando salió The Chronic, a nadie sorprendió que Snoop estuviera inmiscuido en todo el álbum, sin embargo no pudimos dejar de sentir cierta emoción cuando al inicio de Let Me Ride lo escuchamos por primera vez gritar su hoy ya clásico: "Biaaach!!!". Aparte de él tambien participan: Lady of Rage, Warren G, The D.O.C., RBX, Nate Dogg, Dat Nigga Daz y Kurupt, a la mitad de ellos les fue muy bien después de ser apadrinados por Dre, a la otra mitad pues... hoy ni siquiera recordaríamos sus nombres de no ser por su participación en The Chronic.
En temas como Lil' Ghetto Boy hay una añoranza, genialidad y melancolía indescriptible; Fuck Wit Dre Day [que con un beat más veloz se convertiría en un éxito de Snoop Dogg (Who Am I (What's My Name)?)] te vuela la cabeza; Let Me Ride te hace sentir lo mismo, mientras Nuthin' But a 'G' Thang te hace desear ser un proxeneta y traficante sólo con el ritmo cadencioso de la rola, en contraparte Lyrical Gangbang con su sampleo a Led Zeppelin te obliga a menear la cabeza aunque no quieras.
Dre no es el mejor rapero del mundo, su flow y rimas para nada son sorprendentes, pero su oído para la producción y creación de ritmos y su visión y colmillo para los negocios son inmensos. Para que comprendan a que me refiero: dicen que cuando Black Sabbath canceló su presentación en Coachella los organizadores corrieron a ver a Dre y le entregaron un cheque en blanco para que se encargara del cierre del festival sin importar los gastos, éste invitó a sus amigos, e inclusive revivió a Tupac Shakur, aunado a esto, sacó a la venta una línea de audífonos diseñados por él. Un par de años después de la salida de su debut, abandonó Death Row, hizo que el Doggystyle de Snoop Doggy Dogg fuera un éxito, fundó su compañía: Aftermath Entertainment, grabó un segundo disco y en el inter... inventó a Eminem.
Alguna vez Angus Batey escribió: "Nos guste o no , un vistazo al hip-hop de la actualidad certificará que The Chronic puede ser el álbum hip-hop más influyente de todos los tiempos."
Los singles/videos de esta obra maestra, los que se encuentran en la red, en el orden en que salieron:
Hoy con Eazy-E muerto, esto ya no es tan gracioso...
Éste salió en el '99 en una de las re-ediciones de The Chronic, es mi favorita del álbum, jamás entendí porque no salió como single.
Hace una década, el mundo hizo a un lado al aburrido y predecible nu metal para darle a un puñado de bandas pop con guitarritas, un lugar en la historia. Una de ellas llamada Interpol. A finales de octubre su vocalista nos presentó su segundo álbum como solista, títulado simplemente: Banks.
La primera vez que lo escuché me agrado sólo un poco, la segunda me quito el sueño y no podía dejar de repetirlo, y a la tercera decidí hacer a un lado el Koi No Yokan de los Deftones, el King Animal de Soundgarden y el Into The Future de Bad Brains para dedicarle el post de esta semana a Banks (así de bueno está).
Dicho trabajo es el tercero en la discografía de Paul Banks, tomando en cuenta al EpJulian Plenti Lives... también de este año, pero ni este Ep ni su primer disco: Julian Plenti is... Skyscraper (2009) tienen la cohesión que se escucha y palpa en aquí.
Con este álbum me pasó lo mismo que con Blunderbuss de Jack White, me negaba a escucharlo por el status de su creador y cuando por fin lo hice, me encanto. Aunque musicalmente Banks - el músico - y Jack White no tienen mucho en común, su historia los acerca mucho: los dos pertenecen - o pertenecieron - a bandas mundialmente famosas e incluso prácticamente comparten el mismo lugar cronológica y geográficamente hablando, y ahora los dos solistas exitosos. De hecho así como el Blunderbuss me atrapó con su track 3: Freedom At 21, Banks lo hizo con: Arise, Awake, su track 3.
Banks - el disco - es grandioso y perfecto, desde su sobría y bella portada (que de alguna y muchas formas refleja la música contenida en este trabajo) hasta su duración.
Suena a Interpol - estigma que Paul jamás podrá borrar (a menos de que grabe rap, reggae, o techno) - con todo lo que esto conlleva, lo bueno: una producción y arreglos impecables, lo malo: que si cierras los ojos, todas las canciones en algún momento suenan al pre-coro de Slowhands, salvo los dos cortes instrumentales que sirven de puente perfecto entre las canciones en que se encuentran.
En resumen, son casi 40 minutos de melancolía, seriedad y pop perfecto, que, al igual que Blunderbuss, se disfruta mucho mejor, el domingo al atardecer...
El segundo sencillo y primer video de Banks, track 4; Young Again.
The Base es la rola que abre el disco y fue el primer single del disco pero no tiene video, acá les dejo el álbum completo.
Nota final: Siempre me ha parecido muy pomposo y corto de imaginación nombrar con tu apellido tus cosas, marca: Dr. Martens, disco: Banks, banda: Van Halen, página/blog: Sr. Saucedo... no ma...
Hoy les voy a hablar de un libro, pero antes pregúntense esto: ¿Cuántos libros sobre rock nacional conocen? y ¿cuántos de éstos funcionan como lista de discos o bandas de nuestro México?
Un trabajo de esta índole no se ve todos los días en estos lares y siempre será muy complejo hacerlo, ya que al numerar lo más importante o mejor de algo siempre quedarán mamones insatisfechos (como yo), y la tarea se vuelve más ardua y dura desde el momento en que se impone un número tope y se invita a más de una decena de personas para ayudar a armar la lista. En este caso dichos colaboradores van desde locutores y reseñistas por todos conocidos hasta periodistas y músicos, tales como: Iván Nieblas, Ali Gua Gua, WARpig, Patricia Peñaloza, Hugo García Michel, Alonso Arreola, Alex Otaola y un gigantesco etc. El libro está coordinado por David Cortés y Alejandro González Castillo. No se trata de una lista de rock - propiamente dicho - pues bandas como Control Machete, Nortec y Titán no tendrían cabida en ésta, pero sí de muchos de los discos más importantes de nuestra música moderna.
Vamonos por partes; la portada francamente es horrenda (buena idea, mal resultado), creo que pudieron pedirle a cualquier diseñador fan from hell de El Patas, García Michel o Ali Gua Gua que les hiciera el diseño y seguramente hubiera hecho un mejor trabajo y... gratis, aunado a la fea - y deplorable - imagen, la tipografía, neta, logra quitarte un poco las ganas de comprar el libro. El título, me parece muy acertado, al usar la palabra "esenciales" en vez de "los mejores" o "los más...", el subtítulo es una maraviilla, tomado de una canción de la que quizás sea la banda mexicana más grande e importante de las últimas dos décadas.
La lista es muy ecléctica y hasta cierto punto certera, aunque me saca ronchas en dos o tres cosas como el hecho de que esten bandas copiasbaratasregióncuatro como Descartes a Kant y Guillotina y no Resorte o Sekta Core (que creo, juegan en esa misma cancha de tropicalizar géneros gringos), en otros casos estoy de acuerdo con la banda más no con el álbum: Zurdok aparece con Maquillaje en vez de con Hombre Sintetizador y Lost Acapulco en vez de aparecer con su insuperable debut (con su sóla alineación y productor imponían respeto) lo hace con Acapulco Golden, por ejemplo. No se que tan correcto - o incorrecto - sea que Ali Gua Gua y el WARpig hayan reseñado discos donde estan inmiscuidos, aunque me parece un ejercicio atractivo, en todo caso Líber Terán debió reseñar a Los de Abajo, José Manuel Aguilera a La Barranca, etc. Lo que me parece absurdo - e indignante - es que se tome en cuenta a Hello Seahorse!, Zoé y Volován y en cambio se hayan quedado fuera El Gran Silencio, Makina o Los Monjes... que este enlistado Maná en verdad es una mentada de madre, sobre todo por las omisiones ya mencionadas.
Pese a mis quejas, libros como este hacen mucha falta en el panorama nacional, lo más importante de 100 discos esenciales... es sin duda el salvar del olvido a bandas y discos que están - o estaban - de una u otra forma condenados a éste, la parte emocionante es el descubrimiento de bandas, acá aparecen un par que jamás había escuchado mencionar: Silueta Pálida, El Tarro de Mostaza, Secta Suicida Siglo 20 y varias más, como melómano, eso es lo que en verdad le agradezco a este libro. Las líneas que vienen a manera de prólogo, dejan clara la postura de los coordinadores y aunque no estoy de acuerdo en varias de sus explicaciones me quedo con una: " Nunca pensamos en los mejores, ni en construir una lista definitiva; entrar en esa disquisición nos hubiera llevado años y probablemente nunca hubieramos arribado a sitio alguno."
El jueves 29 de noviembre será su presentación en el Centro Cultural España, vayán y si pueden cómprenlo, no está caro, y si tiene buenas ventas, seguramente podremos ver más libros como éste en el mercado, y vaya que hacen falta.
La segunda entrega de Public Enemy en lo que va del año, salió el primero de octubre, y es un cúmulo de grandes canciones.
La importancia del regreso de una banda como PE ya se las dije hace un par de meses en la reseña del Most of My Heroes Still Don't Appear On No Stamp* (primera entrega del Enemigo Público en cinco años). Es realmente sorprendente la facilidad con la que Public Enemy hace canciones memorables, no es precisamente una secuela del Most of My Heroes Still..., aunque Chuck D ha dicho que son como fraternal twins, pero de alguna manera se complementan mutuamente, por ejemplo, si en Most of... se hacen acompañar por una leyenda del rap como DMC, acá en The Evil Empire of Everything lo hacen de una leyenda de las seis cuerdas y un ícono del punk y activismo estadounidense: Tom Morello (Rage Against The Machine) y Henry Rollins (Black Flag).
Aparte de la colaboración de Rollins y Morello en Riotstarted, aparece, entre otros invitados, Ziggy Marley, y con las - ya clásicas - rolas desmadrosas por parte de Flavor FlavThe Evil... se vuelve un gran disco, desde el intro del primer corte: The Evil Empire of hasta el outro del último: Say it Like it Really Is, tal vez el peor track es el 12: Broke Diva pero es muy corta (afortunadamente) y quizá Most of My Heroes... sea más entrañable por los interludios, pero en general, los dos discos son increíbles.
Mención aparte merece el track seis: Everything, ésta es una de esas rolas que te hacen pensar - cosa que pocos músicos hacen hoy en día - dejando claro que Chuck D sigue siendo el rapero más honesto, culto y contestatario que hay en el planeta, nos cuenta todo lo que no tiene y/o se ha negado a tener, a ritmo de soul, con un increíble solo de sax por parte de Gerald Albright y hermosos coros cortesía de Amuka (Sheila Brody). Neta que el mundo sería un lugar mejor, si hubiera más gente tan cabrona como el Chuck.
El álbum ha pasado desapercibido por el mainstream, a pesar de ser mejor que cualquier disco de Lil Wayne y ni siquiera el reciente arresto de Flavor ha cambiado esto.
El video de Say it Like Really Is salió incluso antes que Most of My Heroes... acá se los dejo.
El sonido de Rage Against The Machine es la respuesta más cercana a la pregunta: ¿Qué resultaría de la mezcla entre MC5, The Clash y Public Enemy?, y su disco debut es el mejor ejemplo de ello.
Con la puerta abierta a lo alternativo, fue fácil para los RATM hacerse de un público, y a pesar de la enorme cantidad de bandas oportunistas y copias baratas que atiborraban la radio y los medios, los Rage... eran una banda única, hoy nos custa trabajo entenderlo pues hay miles de bandas que rapean sobre una base rítmica de rock, pero hace 20 años sólo había un par de referencias; canciones sueltas de colaboraciones entre raperos y grupos de rock/metal y unas cuantas bandas underground, y aún así los Against The Machine llevaban dicha mezcla de rap y metal a otro nivel, al ser más duros y abordar temas sociopolíticos.
Al estar bajo el techo de una compañía multinacional el equipo que grabó el álbum es de ensueño, la banda o Guilty Parties (como aparecen en todos sus discos) son: Zack de la Rocha (vocales), Timmy C. (bajo), Brad Wilk (batería) y Tom Morello (guitarra), en Know Your Enemy están de invitados; Maynard James Keenan (Tool) y Stephen Perkins (Jane's Addiction), producido por GGGarth (Melvins, L7) y mezclado nada más y nada menos que por Andy Wallace. Siempre lo digo, un clásico rompemadres se nota desde su portada, en este caso es una foto de Malcolm Browne de un monje prendiéndose fuego. Incluso el nombre de la banda es chingón, aún sin saber el significado, fonéticamente es impresionante: ¡¡Reish Aguenst Dde Mashin!!
Los gritos: "Jódete, no voy a hacer lo que dices" de Zack al final de Killing in The Name, su súplica-exigencia: "No more lies" en Take the Power Back, la lista de enemigos en Know Your Enemy: "Compromise, conformity, assimilation, submission, ignorence, hyprocrisy, brutality, the elite", esa patada en el orgullo que es: "They say jump, you say how high" de Bullet In The Head, su susurro en Freedom: "Anger is a gift" y su forma de repetir una palabra u oración a manera de mantra, siguen causando escalofríos en cualquiera que los escuche.
Los solos, riffs y la manera inovadora de tocar de Morello te sorprende en cada corte, el solo en Settle For Nothing es de una finura excelsa, en Know Your Enemy y Township Rebellion nos demuestra su virtuosismo, y los ruidos en Fistful Of Steel y Bullet In The Head te dejan sin habla pues no puedes creer que provengan de una guitarra común y corriente. El sonido de las líneas de bajo en Take The Power Back, Bullet In the Head y en general en todo el álbum sigue siendo imitado por prácticamente todos los grupos de rap metal, rap core, nu metal o como quieran llamarle. La línea de bajo de Township Rebellion es hipnotizante, el intro y final de Wake Up, son a mi parecer el clímax de la banda, es monumental y sigue siendo insuperable incluso para los mismos RATM. Fistful Of Steel es de las cosas más pesadas que he oído en mi vida. Y así en resumen, desde el intro in crescendo de Bombtrack hasta el noise destructivo al final de Freedom estamos frente a uno de esos discos que de una u otra forma les cambiara la vida.
Vengo de una época y lugar en que no era nada fácil conseguir discos, ni revistas, y no tenía acceso a televisión de paga, así que cuando escuchaba esta maravilla a todo volumen encerrado en mi cuarto, veía la contraportada del booklet - una foto desenfocada de la banda tocando en vivo - e intentaba imaginar como serían las caras de estos cuatro cabrones que me volaban la cabeza. Conseguí este disco casi a la par del Vulgar Display Of Power de Pantera y los emparentaba mucho pues los dos cuentan con portadas impresionantes en blanco y negro - pasaba horas viéndolas - y me impresionaba que, en ambas agrupaciones, todos los riffs y solos eran hechos por un solo hombre.
El próximo 27 de noviembre sale una caja para conmemorar estos primeros veinte años, Rage Against The Machine XX será su nombre y contendrá un montón de memorabilia y rarezas, además de que habrá tres versiones distintas de ésta y por supuesto el álbum vendrá remasterizado.
La mejor descripción que he leído sobre este disco es del Michael Woodsworth y dice: "Rage Against The Machine estalló en la música comercial como una versión musical de The Anarchist Cookbook."
Los cuatro videos/singles en el orden en que salieron.
Éscuchenlo a todo volumen y recuerden que (tal y como lo dicen en cada uno de sus discos): NO SAMPLES, KEYBOARDS OR SYNTHESIZERS USED IN THE MAKING OF THIS RECORDING.
Cuando vimos a Kendrick Lamar en Coachella cantando The Recipe junto a Dr. Dre en el cierre del festival, notamos tres cosas: Traía puestas unas Dr. Martens deslumbrantes, su flow era crudo, rápido, salvaje, y dicha canción era muy, muy buena. Aún así, ni de broma podíamos vaticinar la maravilla de álbum que estaba por grabar.
Tampoco nos quedaba muy claro como ese pinche escuincle cagón, a quien ya se le conocía bajo el mote de: The new king of the west coast, se codeaba con gente como Dre, 50 cent, Eminem y Snoop Dogg. Después de presentarse en Coachella lo único que teniamos para evaluar al talKendrick era la rola que tenía con Dre, un disco independiente (bastante respetable): Section.80, y un single/video en proceso: Swimming Pools (Drank). Mientras transcurría el tiempo, poco a poco se fueron colando canciones por la red, y el 22 de octubre por fin vio la luz: good kid, m.A.A.d city, el disco de hip hop más esperado del año, sin duda alguna.
Hace un par de meses al hacer la reseña del Most of My Heroes Still Don't Appear On No Stamp de Public Enemy afirmé: "No dudo un segundo en catalogarlo como el disco rap, hip-hop del año, con Snoop Dogg (ahora Lion) fuera de esta cancha, Missy Elliott y Dr. Dre sin ánimos de sacar a la luz sus tan prometidos albumes, este Most of My Heroes... sólo podría ser superado por el trabajo que nos van a entregar pronto los propios PE, o en todo caso por el nuevo de Nas.", al Kendrick ni siquiera lo tomaba en cuenta en ese entonces, y el pinche escuincle cagón me voló la cabeza desde los primeros 45 segundos de su good kid, m.A...
Es un álbum conceptual, y va sobre su adolescencia, en su natal Compton, historias y anécdotas por doquier, abundan y sobresalen las de su díficil vida como afroamericano de clase baja, vilolencia, sexo, drogas y todos los tópicos del gangsta rap están aquí, sus referencias son obvias: 2Pac y Notorious B.I.G. resurgen a cada instante, pero Kendrick tiene su estilo, no es una mala, aburrida y barata copia como Lil Wayne. El disco viene en edición normal y de lujo, ésta última con una portada distinta y un disco extra con The Recipe, y una con Mary J. Blige, que es un corte simplemente impresionante. El trabajo de Lamar se sostiene por si solo, así que no mencionare el gigantesco arsenal de productores y colaboradores que están detrás de esta maravilla.
La crítica especializada no se ha cansado de besarle las botas (esas Martens deslumbrantes), y con justa razón, la XXL, revista fundada en 1997, en toda su historia sólo le ha dado calificación perfecta a nueve discos, y uno de ellos es éste.
No me gusta usar términos como: "el heredero" o "el nuevo (2Pac, Cube, etc.)", pero la realidad es que como el gran fan de B.I.G. que soy, debo aceptar que desde su muerte ningún rapero me había hecho sentir esa sensación de honestidad y grandilocuencia al armar canciones como en este good kid, m.A..., los interludios tienen un algo de nostalgía muy díficil de explicar, y eso es lo más impresionante del álbum. Los raperos hacen música con sus vocales y letras pero aquí están tan bien armadas las melodías que ni siquiera importa lo que esta ladrandoLamar, por ello este disco se convertirá en un clásico inmediato en tu fonoteca, pues es de esos casos raros en que ni siquiera tienes que saber inglés para entender y saber de que trata la canción, porque no importa, la música y melodía vocal es lo único que debes escuchar y las crudas historias narradas por este pinche escuincle cagón... vienen como plus.
Me tarde casi dos meses en comprender la grandeza de esta rola, ojalá a ustedes les tome menos tiempo...
Hablar sobre Quentin Tarantino hoy en día es un tópico, todo mundo sabe quien es, que ha hecho y cuando se estrena su próxima cinta, pero hace 20 años su nombre era uno más del montón, lo único que se sabía de él era que había sido un empleaducho de una tienda de videos, que uno de sus guiones había impresionado a Harvey Keitel y que su ópera prima andaba rompiendo madres en todo festival donde se presentaba.
El 23 de octubre del '92 Reservoir Dogs dejó de rondar festivales para por fin estrenarse a nivel popular, en un inicio Tarantino filmaría la cinta con un par de amigos, pero cuando una copia de su guión cayó en las manos de Keitel, éste quedó impresionado y no sólo acepto un papel en la película sino que consiguió gran apoyo ecónomico para ésta, fungiendo como co-productor. Hace dos décadas de su estreno comercial y aún sigue siendo un parteaguas por donde se le quiera ver, protagonizada por: Michael Madsen (Mr. Blonde), Eddie Bunker (Mr. Blue), Quentin Tarantino (Mr. Brown), Tim Roth (Mr. Orange), Steve Buscemi (Mr. Pink), Harvey Keitel (Mr. White), Lawrence Tierney (Joe Cabot) y Chris Penn (Nice Guy Eddie). Con dialogos memorables como el de Mr. Brown explicando el verdadero significado de Like A Virgen de Madonna; Mr. Pink diciéndonos porque no da propinas y rematando con la frase: "¿Sabes lo que es esto?... "¡Es el violín más pequeño del mundo tocando sólo para las meseras!" o "¿Soy el único profesional aquí?, ¡Se comportan como negros!" y los vulgares chistes de Nice Guy Eddie: "¡Creo que el semen de los negros se te subió al cerebro!"; pero el que se lleva las palmas es sin duda Mr. Blonde diciéndole a Mr. White: "¿Vas a ladrar todo el día, perrito, o vas a morder?" ufffff....
¿Han notado que no sale ninguna mujer en ninguna escena?... y así como el grunge revivió el amor por los Converse, Reservoir Dogs revivió el amor por los Ray-Ban.
A nosotros este film nos incumbe no sólo por lo mucho que admiramos a Tarantino sino porque dentro de la trama se inventa una estación de radio: K-Billy's Super Sounds of the Seventies, que como lo dice su nombre, transmite varias joyas olvidadas de aquella década. El soundtrack se puede considerar como el primero en su tipo; con citas del Dj de K-Billy Super... (Steven Wright) y extractos de dialogos de la cinta a manera de interludios, patrón que fue imitado hasta el cansancio por cientos de directores de cine durante la década antepasada.
Sin más que agregar. Esta secuencia es magistral, y resume el lenguaje de Quentin a la perfección: Mr. Blonde le pregunta a su víctima si ha escuchado K-Billy's Super Sounds of the Seventies, la sintoniza, el locutor anuncia la próxima canción y da una descripción genial de ésta, Mr. Blonde sonríe al escuchar la guitarra de inicio, la línea de bajo entra exactamente cuando el rostro ensangrentado del policía Marvin Nash es enfocado y...
Sin duda es uno de los grandes bajistas de nuestros tiempos, 50 años cumple hoy y lleva más de la mitad de ese tiempo tocando el bajo en una banda que todos conocemos y que en algún momento hemos respetado.
Balzary fundó a los Red Hot Chili Peppers en el '83, y ha estado en una infinidad de proyectos y colaboraciones, desde sus amigos de toda la vida como: Jane's Addiction hasta gente con la que aparentemente no tiene nada que ver, como: Thom Yorke, pasando por Alanis Morrissette, The Mars Volta y un largo etcétera.
La primera vez que lo ví fue en Back to the Future II y un amigo me dijo: "ese wey toca en una muy buena banda de rock alternativo", como buen obsesivo compulsivo que soy, me hice de un par de rolas, y no me latieron nada, no estaba listo para su grandiosa combinación de humor, funk-rock-pop, tiempo después Give It Away y una pinche baladita de un imbécil enamorado de su ciudad se escuchaba en todos lados y me cagaron aún más. Años después cuando los ví en los Simpsons decidí darles otra oportunidad, conseguí el What Hits!?, un concierto en VHS - que se veía horrible - donde salían desnudos con una calceta blanca cubriendo sus penes, escuché detenidamente Blood Sugar Sex Magik, y con los riffs y solos de John Frusciante, la impecable producción de Rick Rubin y por suspuesto las líneas de bajo de Flea, compraron mi respeto y admiración por siempre, sobre todo éste último.
La alineación clásica de los Peppers se fracturó justo cuando comencé a apreciarlos, pero los solos y ritmos demeciales de Flea siguieron siendo una constante en la banda - en One Hot Minute del '95 hay más solos de bajo que en cualquier otro disco de los RHCP - incluso hoy en sus discos recientes, que son una porquería, el bajo es lo único realmente rescatable.
En fin, con una basta carrera como actor (también sale en Suburbia y The Big Lebowski) y músico, Flea cumple hoy la mitad de un siglo y aquí un par de videos del porque se merece todo nuestro respeto.
Muchos no lo saben pero... es un excelente trompetista, acá con nuestro amado Kurt.
Lo que mejor le sale, siempre he creido que en vivo la echan a perder con el final que le hacen pero...
Y sí, a mi sí se me humedecieron los ojos cuando lo volví a ver tocando con Frusciante en el Woodstock '99...
Sin duda alguna Down se erige como el supergrupo más chingón de nuestro tiempo, no sólo dentro del doom, stoner, sludge, metal, etc., sino del rock en general, y éste, su cuarto trabajo de estudio, desde la portada nos deja boquiabiertos y nos anuncia con cierta sutileza la pesadez que contiene.
Seis tracks son suficientes para volver a encumbrar a estos tipos como la banda más importante y maciza dentro de la músca pesada de la última década. Down actualmente son: Phil Anselmo (Pantera) vocalista, Jimmy Bower (Eyehategod) en los tambores, Pepper Keenan (Corrosion Of Conformity) en la guitarra, Kirk Windstein (Crowbar) guitarra y Patrick Bruders (Goatwhore) en el bajo, los bajistas son los únicos que siempre se han mantenido en rotación dentro de la banda, el primero a cargo fue Todd Strange (Crowbar) y luego Rex Brown (Pantera) pero la alineación arriba citada fue la que vino hace un año a nuestro país.
Se supone que durante este 2012 saldrían cuatro Eps que de una u otra forma reflejarían las etapas que ha tenido la banda en estos años de carrera, sin embargo apenas hace un mes que salió esta primera parte por lo cual me parece imposible que nos hagan las otras tres entregas en los dos meses y medio que quedan del año. Decidieron hacer Eps en vez de un álbum pues según Phil la industria a pesar de la declive que tiene, es estúpida y no baja los precios de los discos, entonces lo más factible para él es sacar cuatro discos de seis canciones cada uno que a la larga no afecten tanto el bolsillo de los fans.
Treinta minutos son suficientes para recuperar el amor por las guitarras duras (en caso de que lo hayan perdido), y algunos medios no han dudado en declararlo su mejor trabajo desde su debut del '95, yo no iré tan lejos como ellos pero tampoco fingiré que no me impacto este disco, es potente de principio a fin, la producción es envidiable y trae un par de riffs que pueden provocar cualquier tipo de reacción en tu ser, excepto la indiferencia.
Levitation y The Curse Is a Lie, son canciones con guitarrazos fuertes, lentos y pesados, ¡¡como debe de ser el verdadero metal, chinga!!, son rolas para fans sin duda alguna, en cambio: Witchtripper, Open Coffins y This Work Is Timeless son perfectas para quien no se ha acercado a la banda, riffs sencillos con versos y coros perfectamente tarareables, éstas dos últimas remiten al Pantera de The Great Sothern Trendkill.
Misfortune Teller cierra el disco y lo hace de una forma apabullante, acá no importa si eres iniciado o experto en Down, de hecho no importa si en tu vida jamás te has topado con bandas pesadas, el riff de inicio te volará los sesos de cualquier manera, es mi canción favorita desde New Orleans Is A Dying Whore y The Seed del A Bustle in Your Hedgerow del 2002, el riff del coro también es brutal, al igual que el solo, la batería y la voz de Anselmo.
Hace cinco años que no nos entregaban canciones nuevas y a estas alturas de su carrera se encasillan ahí en donde estan los Ramones, Motörhead y Slayer, ya no se les puede exigir más, ni nuevos sonidos, ni experimentaciones, ni nada, a cambio de ello - de que parece que componen y tocan la misma canción desde hace años - siempre tendrás la confianza de que te entregaran sólo productos de alta calidad. "Lo nuevo que lo hagan los nuevos" como reza sabiamente el WARpig. Similar al efecto Motörhead o Slayer, cada vez tocan mejor y lo hacen con tal maestría que parece sencillo, virtud que sólo los grandes alcanzan.
Mientras esperamos con ansias el Vol. II pues les dejo el primer video y single.
Si alguna vez un 'nuevo' te pregunta: ¿Qué es el grunge?, no le digas que fue un nombre inventado por la industria para etiquetar un sonido crudo, denso, desolador y fatalista, ni que tuvo su origen allá en Seattle a finales de los 80's y principios de los 90's, simple y sencillamente ponle play a cualquier track de este álbum, el segundo en la carrera de Alice In Chains, neta, no hay nada en el mundo más grunge que esto.
¿A qué suena el segundo disco de AIC?: ¡¡A Mugre!!!.
AIC - junto a Soundgarden - fueron de las primeras bandas de Seattle firmadas por una multinacional, y tras el éxito del Nevermind de Nirvana, los Alice In Chains venían por su rebanada del pastel, las expectativas para su segundo disco eran muy altas; su primer trabajo: Facelift, con un sonido muy vinculado al heavy metal había recibido buenas críticas e ingresos, y en febrero del '92 sacaron su Ep: Sap, y aquí sembraron la duda de como sonaría el Dirt, pues dicho Ep es semi acústico, les servío de guiño para lo que años después sería su Unplugged, duda que fue despeja en cuanto salió Would? como parte del soundtrack de Singles de Cameron Crowe, unas semanas después, el 29 de septiembre de 1992 el Dirt salió a la luz y no decepciono a nadie sino todo lo contrario.
A pesar de la pesadez y oscuridad que manejaban Layne Staley (vocales, guitarra), Jerry Cantrell (guitarra, vocales), Mike Starr (bajo) y Sean Kinney (tambores), el disco logró tener cinco singles con sus respectivos videos que tuvieron una alta rotación en la radio y MTV.
El Mugre se puede dividir en dos: las canciones rompe cráneos con riffs impresionantes y baterías veloces como: Them Bones, y Damn the River y canciones sombrías, pesadas y lúgubres como: Rain When I Die, Rooster y Down In a Hole.
Gracias a los riffs moustruosos de Cantrell, bandas pesadas como Metallica, Pantera y Slayer se declararon fans de la banda. Se dice que Godsmack decidió llamarse así en honor al track 9 de este trabajo, aunque Sully Erna - su vocalista - lo ha negado últimamente, pero bueno, a fin de cuentas; ¿A quién le interesa esa porquería de banda?.
La línea de bajo de Rain When I Die - que nos remité un poco a la de Monster de las L7 - junto a la guitarra de Cantrell y la voz y letra de Staley, te desgarra el alma de principio a fin; el riff de la canción que da nombre al disco nos recuerda al de South of Heaven de Slayer, de hecho Tom Araya 'canta' en el track 10 que en un principio venía sin nombre (e incluso en las primeras ediciones ni siquiera venía enlistado), ya en las posteriores compilaciones y cajas lo títulan: Iron Glad o Intro (Dream Sequence).
Sobresale una canción; Angry Chair, con su riff perfecto, el bajo, batería y la combinación de voces entre Staley y Cantrell, a la par de frases rompe madres como: Pink cloud has now turned to gray... all that i want is to play... get on your knees time to pray, boy!!!". Tal vez ésta sea la mejor canción de la Alicia encadenada.
Las letras son aterradoras; muerte, adicción, depresión, soledad y dolor son los tópicos de éstas, y hoy nos podemos jactar de que Layne hablaba en serio sobre su deseo de morir, su muerte y la de Mike Starr nos dan la razón y como alguna vez público la Spin: "Hay una sinceridad brutal pero preocupante en las letras...". Por cierto, este el el último disco grabado con Starr pues para el '93 fue sustituido por Mike Inez.
No hay indicios de que salga una próxima reedición mucho menos una Deluxe Edition para conmemorar los 20 años de este disco, lo que me parece una verdadera lástima pues aunque está muy bien producido por Dave Jerden (Jane's Addiction, Social Distortion), una remasterización no le caería nada mal.
La importancia del Dirt se puede medir en hechos: una década más tarde porquerías como Creed o Nickelback seguían intentando sonar a éste, sin siquiera rozar su grandeza. Salió a la venta el mismo día que Core debut de los insípidos Stone Temple Pilots y obviamente con el tiempo les fue mejor a éstos últimos, en ventas y proyección mediática, justo aquí el panorama comenzó a llenarse de oportunistas y copias baratas como: Silverchair, Bush, Candlebox y ni hablar de los látinos: Guillotina, Ex, Radio Kaos y una lista interminable... como todo ser viviente; desde el día en que la industria se sacó de la manga el término grunge, empezó a morir y las bandas arriba mencionadas serían la prueba de la decadencia y mediocridad en la que cayó dicho género durante los años posteriores.
Hace 40 años cuando los Black Sabbath sacaron a la venta su cuarto disco, no había en el mundo banda más pesada que ellos.
La alineación que grabó este álbum es la más chingona que ha tenido esta banda: Ozzy Osbourne (vocales), Tony Iommi (guitarra, piano), Geezer Butler (bajo y mellotron) y Bill Ward (batería y percusiones), se trasladaron a Los Angeles para grabarlo, el disco debía salir en abril pero estando en dicha ciudad a los Sabs se les empezaron a salir las cosas de las manos. Snowblind iba a ser el título de esta joya, en referencia a la cocaína - droga a la que eran adictos por ese entonces - y por ello los directivos de su disquera no se los permitieron; por ser su cuarto opus y para no quebrarse la cabeza decidieron que Vol 4 sería un buen título, sus referencias a esa droga que tanto les gustaba se quedó en la letra del track 6; Snowblind y su agradecimiento a "The great COKE-Cola Company of Los Angeles" en los créditos del disco.
Durante años y años - hasta que comprendí la grandeza del Master Of Reality y por mi necedad de no alabar a un disco tan rentable como Paranoid - este fue mi disco favorito del Sabbath, es un álbum sumamente ecléctico, desde el primer riff de Wheels of Confusion - con sus ocho minutos de duración - te vuelan los sesos, la guitarra de Iommi te corta la respiración en cada track, y sus solos son impresionantes, las líneas de bajo de Butler pesadas y pastosas, la batería del Ward suena un poco bajo, y la voz, grandiosa, creo que Ozzy jamás volvió a cantar tan bien; Tomorrow's Dream juega el papel que jugó Paranoid años atrás, un intento por entrar en la radio, de hecho es el primer sencillo en salir a la venta desde aquel fructífero Paranoid; FX y Laguna Sunrise son dos pistas instrumentales, la primera, sólo ruidos de guitarra, mientras que la segunda es una bellísima pieza de guitarra acústica y sección de cuerdas; Supernaut tiene un riff asesino capaz de romperle el ano al metalero más rudo que conozcan, además la voz se escucha como nunca antes, con Ozzy desgarrándose la garganta; Snowblind ya saben de que trata y hasta el día de hoy es de esas canciones infaltables en sus conciertos, es la que más tocan de este Vol 4; Cornucopia y Under The Sun tienen los intros más pesados que cualquier cosa que hayan grabado los Led Zeppelin o Deep Purple (por mencionar dos bandas a las que siempre se les ha querido comparar); St. Vitus Dance tiene un riff muy raro e hipnotizante, que dejó tan impresionado al joven Dave Chandler que decidió bautizar así a su banda.
Changes - el track tres - merece mención aparte, la primer vez que me tope con Vol 4 creí que se trataba de un cover a Bowie, si bien los Sabs ya habían experimentado con las semi-baladas o canciones tranquilas: Planet Caravan y Solitude, acá de plano, los fans más acérrimos de la banda se sintieron traicionados y ofendidos, Changes funciona como un arma de doble filo, por un lado se les tachó de "vendidos" y por el otro de genios y arriesgados; para la banda más pesada de la tierra fue la prueba de lo ecléctico que se estaba volviendo su estilo, a manera de rumor se dice que Rick Wakeman (Yes) grabó el piano de esta canción, sin embargo en tres ediciones distintas que he tenido en las manos en ninguna de ellas viene acreditado como tal, a fin de cuentas el experimento les salió bien, todavía hoy y durante todo el reinado del metal en los 80's y 90's las baladas o power ballads se convirtieron en un cliché obligado del género.
La portada, mítica hoy en día, ha sido motivo de homenajes y parodias innumerables, al igual que cada uno de los tracks ha sido covereado hasta el cansancio.
En 1972 los Sabs desbordan creatividad, la decadencia les pegaría un par de años después, pero acá no tenían comparación, eran intocables, las otras bandas a las que se les asociaba se quedaban cortas ante el sonido apabullante del Sabbath, o eran más hippies o más comerciales, pero no tenían ese sonido moustruoso del que Iommi y sus amigos se habían vuelto expertos en recrear.
Alguna vez leí por ahí la mejor introducción para el Vol 4: "Antes de que Black Sabbath se derrumbara en medio de peleas estimuladas por las drogas, hubo un momento en el que las drogas estimulaban su genio".
Dos en vivo...
Quizás, la última vez que estuvieron juntos, antes de su reencuentro...
Acá se los dejo completo, 43 minutos de absoluta genialidad...
... y la mítica reseña de la Rolling Stone, donde Tom Clark compara al sonido del Sabbath con un moustruo, describiendonos cada corte del álbum de esa manera y los cataloga como genios. Black Sabbath, Vol. 4 Rolling Stone review...
