Debido al buen recibimiento que tuvimos con este proyecto el año pasado, aquí estamos de nuevo. La idea de producir un calendario, nació por mi obsesión compulsiva de apuntar mis quehaceres y actividades diarias en cualquier tipo de superficie. En especial en calendarios, francamente horribles, que compraba en librerías o puestos de periódicos. Al notar que estos, por lo regular eran espantosos y repetitivos, siempre con las mismas bandas, siempre con los mismos pintores, decidí crear uno propio.
En esta ocasión va sobre los 90's, tema por demás importante en la vida de quien escribe esto. Y el artista encargado de las imágenes -en este caso, collages- fui yo. Cada mes está dedicado a dos personajes, bandas o albums, representados por un collage y una foto respectivamente. Músicos y discos que admiramos, respetamos, extrañamos y amamos con todo nuestro ser.
Esperamos que el resultado sea de su agrado.
Saucedo, septiembre 2015.
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Hace 20 años, 28 canciones vinieron a sacudirnos la cabeza, algunas de ellas inmediatamente se convirtieron en clásicos y las tenemos incrustadas en nuestra vida diaria, y no sólo eso, hoy nos sería imposible comprender buena parte de nuestra cultura pop, sin ellas.
El álbum al que pertenecen dichas canciones tiene uno de los titulos más maravillosos de la historia del rock: Mellon Collie and the Infinite Sadness. Con ese título tan descriptivo, sabemos de que van los 28 cortes. El disco fue grabado por la alineación clásica de los Smashing Pumpkins: Billy Corgan (voz, guitarra, piano, mellotron), James Iha (guitarra, voz), D'arcy (bajo, voz) y Jimmy Chamberlin (batería, voz). Producido por Corgan, Alan Moulder y Flood.
En los 90's se grabaron muy pocos albums dobles, así que sin problemas podemos decir que estamos frente al más importante y trascendental de todos, también el más ecléctico. The Wall de Pink Floyd nos viene a la mente al instante, también Tommy de The Who, pero Mellon Collie poco tiene que ver con estos. Tal vez sólo en cuanto a producción, pretensión y pomposidad se le puede equiparar a The Wall, incluso al Goodbye Yellow Brick Road de Elton John, pero en cuanto a contenido, no. En ese caso está más emparentado con The Beatles (White Album) de The Beatles que con cualquier otro.
Mellon Collie se divide en dos discos de diferente nombre: Dawn to Dusk y Twilight to Starlight. Aunque esto para nada quiere decir que tengan marcadas diferencias, no es que uno sea ruidoso y el otro melódico, ni que uno sea rápido y el otro lento. Los dos contienen canciones duras, baladas, arreglos de cuerdas, melodías instrumentales, tracks acústicos, canciones de dolor, etc. A pesar de que los temas giran alrededor de la melancolía y tristeza, el disco no pude leerse/escucharse como un álbum conceptual, puesto que en los otros formatos en los que salió: cassette y vinyl, el orden de las canciones cambiaba radicalmente.
El arte del álbum es un reflejo de su contenido. Una serie de collages e ilustraciones de John Craig que se acoplan perfectamente a lo ecléctico del disco. Por ejemplo, la portada es la combinación de dos grandes pinturas. Saint Catherine of Alexandria de Raphael (a la izquierda) y The Souvenir de Jean-Baptiste Greuze (a la derecha).
En 1995 los Smashing Pumpkins no eran muy bien acogidos en la escena underground alternativa. mucho menos en la punk-hardcore. A diferencia de sus contemporáneos como Nirvana y Pearl Jam, que hacían lo posible por alejarse del rock mainstream en el que habían caído, y por ende grababan cosas más sucias y crudas, los Pumpkins sí querían pertenecer al rock de masas, sí estaban felices con la idea de entrar al rock de estadio. Sin embrago a pesar de que su segundo álbum Siamese Dream también fue producido por Butch Vig (productor del disco más aclamado de la primera mitad de la década, Nevermind), y que sus videos y canciones eran rotadas en MTV y la radio, no lograban ese éxito masivo que Billy ansiaba. Las ventas del Mellon Collie en su primera semana, dejaron en claro que ese momento tan esperado, al fin había llegado. Estaban listos para ser coronados como la banda más grande de América. A Corgan se le considero como uno de los grandes compositores de la época, como a un genio, y demostró que no tenía ninguna atadura con ningún género en específico. Todos fueron felices (por un breve tiempo).
Al sustituir a Vig por Flood y Alan Moulder, los Smashing consiguieron un sonido más vanguardista, comercial y experimental, muy cercano al que tenía U2 en esos años, sobre todo en el Achtung Baby (1991), disco en el que Flood había trabajado junto a Brian Eno y Daniel Lanois. Además Moulder y Flood venían de mezclar y producir el The Downward Spiral de Nine Inch Nails. El brillo que consiguieron en el sonido de las canciones es impresionante. Las más ruidosas como X.Y.U., Jellybelly, Fuck You (An Ode To No One), Where Boys Fear To Tread, Bodies y Tales Of A Scorched Earth son verdaderos golpes a tu cabeza, mientras que las baladas y canciones tranquilas como To Forgive, Cupid De Locke, Take Me Down, In The Arms Of Sleep, Stumbleine, Lily ( My One And Only) y Farewall And Goodnight son de una belleza indescriptible. Hasta cierto punto Mellon suena sobreproducido, al usar este término quiero decir que no hay nada espontáneo en el disco. Incluso los ruidos, tamborazos, feedbacks y gritos desafinados, están fríamente calculados, el bajo y la batería se escuchan soberbios en todo momento. Prueba de esto son la cantidad ridícula de tomas que tiene la mayoría de las canciones.
Los singles que acompañaron al disco, todos son memorables, y estarán presentes en nuestra cultura popular hasta el fin de los tiempos: Bullet With Butterfly Wings, 1979, Tonight, Tonight, Zero y Thirty-Three. Ésta última es de las canciones más hermosas que existen.
Mellon Collie es el White Album de mi generación, no sólo por la cantidad enorme de estilos que abarca, sino porque es un disco pretencioso que logra su cometido. Al igual que el White..., cierra con una balada preciosa que nos da las buenas noches, única en su clase, pues todos los miembros de la banda cantan un verso en ésta, jamás lo habían hecho, ni lo volverían a hacer. También nos marca el fin de una era. Es el último grabado por la alineación original. Después de este trabajo nada volvió a ser igual, ni para ellos, ni para nosotros.
Los videos en el orden en que salieron.
El video de Zero no está en YouTube y en las otras plataformas donde lo encontré se veía horrible, así que decidí no ponerlo.
Hace dos décadas el segundo álbum de Oasis, (What's The Story) Morning Glory?, llegó a las tiendas, el mejor que grabaron como banda.
(What's The Story)...es uno de los grandes triunfos sobre la llamada 'maldición del segundo álbum', de la que tanto me gusta hablar. Es un disco mucho más complejo y trabajado que su debut, también más comercial, más fino, y más pop. En su debut sobra rock and roll, aquí, sobra finura y calidad compositiva, baladas, arreglos de cuerdas, coros pegajosos, guitarras acústicas, etc.
Definitely Maybe se encargó de ponerlos a la vista de todos, y de impulsar eso que conocemos como britpop. A un año de la salida de Definitely..., y con todos sus récords y logros bajo el brazo, el público estaba ansioso por el nuevo trabajo, para verificar si ese fenómeno llamado Oasis, era algo que perduraría, o sólo otra moda más.
Noel Gallagher (guitarras, voz, mellotron), Paul Arthurs Bonehead (guitarras, mellotron), Liam Gallagher (voz, pandero), y Paul McGuigan Guigsy (bajo), grabaron su segundo disco, en un par de semanas, con Alan White en la batería. Tony McCarroll -su baterista original- fue sustituido por Alan, pues según Noel, tocar las nuevas canciones hubiera sido imposible para Tony. Aún así, McCarroll alcanzó a grabar una, el primer #1 en la historia de la banda, Some Might Say. Some... salió el 24 de abril y rápidamente Oasis se convirtió en la banda más importante del britpop, y en la banda más grande de Inglaterra, unos cuantos meses después se convertirían en la más grande del mundo.
Se les enfrentó a otra banda, en un nuevo y típico norte vs sur, The Beatles vs The Rolling Stones, y Nirvana vs Pearl Jam. Oasis vs Blur acaparó la atención de los diarios durante meses enteros, a esto se le conoció como The Battle of Britpop. Dicha batalla poco tenía que ver con la música, aunque ese era el pretexto principal, tenía más que ver con ventas y egos. El primer round lo ganó Blur, cuando Roll With It y Contry House salieron a la venta el mismo día (14 de agosto) y la diferencia de copias vendidas fue contundente. Después el triunfo fue de Oasis, las ventas entre The Great Escape y (What's The Story) Morning Glory?, no tienen comparación. Hoy las cosas son muy distintas, y es obvio quien resultó ganador, en cuanto a calidad de discos se refiere, pero hace 20 años, Oasis no tenía competencia.
El álbum comienza con Hello, los primeros acordes de Wonderwall se escuchan a lo lejos y se suelta ante nosotros un riff envolvente, después la batería y bajo, y por último la voz. Contiene un pequeño coro tomado del clásico de Gary GlitterHello, Hello, I'm Back Again. Con sólo escuchar los primeros segundos sabes que estás frente a un álbum impresionante. La principal diferencia entre Definitely Maybe y (What's The Story)... es el nivel de producción, cortesía de Owen Morris y Noel. En todo el álbum se puede apreciar una pared de sonido impecable, que le da ese toque de obra magistral, muy a la T. Rex, David Bowie, The Beatles. La voz de Liam también sufrió ciertos cambios, se escucha igual de gangosa, pero más suave y un poco menos desafinada. Noel canta un tema, Don't Look Back in Anger, los fans más aguerridos ya conocían su voz gracias a los las b del Definitely..., como Sad Song, pero el público en general, no. El resultado es memorable, su voz es preciosa. Noel compuso varias de las canciones de este álbum con la firme convicción de que fueran coreadas por miles de personas al unísono, y lo consiguió. Brian Cannon es el responsable del arte y diseño.
Roll With It es un rock pop fresco y pegajoso, su juego de voces en el coro es de las cosas más bellas y sencillas que he escuchado. Hay muchas guitarras acústicas en el álbum, también baladas y arreglos de cuerdas, el track que le sigue a Roll With It es quizá la canción más grande que ha compuesto -y compondrá- Noel Gallagher, en su vida. Wonderwall es una balada sin fecha de caducidad, simple y sencilla, de la que podría escribir decenas de cuartillas. El cello y sus arreglos de cuerdas, junto a la voz de Liam arrastrando el because maybe / and after all, y la batería, me siguen enchinando la piel. Fue escrita para la novia, y futura esposa, de Noel, Meg Mathews. Don't Look Back In Anger me es difícil de abordar, la amo, completamente, pero el intro, donde se medio fusila a John Lennon, siempre me ha puesto de malas, también el final, aún así se trata de una gran canción, y contiene varias de las frases que más respeto de Gallagher: Slip inside the eye of your mind / don't you know you might find / a better place to play / so I started the revolution from my bed.Hey Now! es un rolón, y su duración no impide que quieras escucharla una y otra vez, puedes sentir como en la parte del solo, los aplausos y batería te golpean la cabeza. Y entonces llegamos a la mitad del disco.
Un interludio llamado The Swampsong (que después saldría completo como lado b de Wonderwall, y posteriormente en la compilación The Masterplan), son 44 segundos de boogie crudo. Se dice que Paul Weller (The Jam) toca la armónica en este corte. Swampsong deja todo listo para la bomba que está apunto de estallar en nuestros rostros, Some Might Say. Los riffs de guitarra se van acoplando mientras el pandero va subiendo de tono, llegan el bajo y batería, y todo explota. Los efectos de eco en la voz, durante los coros, me matan. Parte de la magia se debe a las guitarras de Bonehead, siempre he dicho que Oasis perdió todo su poder, cuando él salió de la banda. Cast No Shadow me resulta insoportable, es una gran canción, pero los coros y 'maullidos' de Noel, me exasperan. Fue escrita para Richard Ashcroft (The Verve), y es en la que mejor se distingue el bajo. She's Electric, en cambio, por años fue mi canción favorita de Oasis. Tiene una cierta suavidad country, que me alegra. La dulzura nos dura poco, porque lo que sigue es probablemente la canción más potente de la banda, mi favorita por siempre. Morning Glory contiene todo el poder y ruido que no hay en Wonderwall y Cast No Shadow. Es un caos hermoso, perfectamente controlado. Inicia con unos ruidos de helicóptero, después las guitarras, el bajo, y batería se van fundiendo uno por uno, hasta que entra la voz. Las primeras líneas son increíbles, brillantes metáforas sobre el perico, snowbind, cocaína. Todos sabemos que Noel no es el mejor letrista, ni el más complejo, así que estas letras resultan brillantes. También hay reminiscencias a The Beatles: All your dreams are made / when you're chained to the mirror and the razor blade. Tomorrow never knows what it doesn't know to soon. Además de que el juego de voces entre Liam y Noel es la perfección auditiva.
Nos aborda otra The Swampsong y entonces entre sonidos de agua, que nos remiten a las olas del mar, se asoma una verdadera joya. Dicen que los grandes, siempre dejan sus mejores canciones para el final, Champagne Supernova es muestra irrefutable de ello. Balada que va in cresendo, y que termina siendo su A Day In The Life. Weller aparece tocando las guitarras y cantando los coros. La letra y melodía es de lo más bello que grabó la banda, la forma en que Liam sostiene y arrastra la oración: some day you will find me / caught beneath the landslide, me parte el alma. La canción cierra de forma espectacular, cada uno de los instrumentos se va 'apagando' hasta que sólo queda el mellotron. Toda la primer estrofa me toca fibras sensibles, me encanta como rima y como suena la voz:
How many special people change
how many lives are living strange
where were you while we were getting high
slowly walking down the hall
faster than a cannon ball
where were you while we were getting high.
En esa época la creatividad de Noel se desbordaba, a tal grado que si juntas todos los lados b, que se quedaron fuera del disco, te darás cuenta de que podrían haber grabado un álbum doble, probablemente el mejor álbum doble de los 90's.
Este disco, como todo buen clásico, retrata a la perfección un momento, una época, pero al mismo tiempo es atemporal. Para mi siempre sonará al otoño, a días lluviosos, a melancolía, a tristeza.
Es mi álbum favorito de Oasis, lo amo con todo mi ser. El intro de Hello, las primeras líneas de Roll With It, los ruidos a lo largo de los tracks: como la 'tos' que se escucha justo antes de Wonderwall, el grito de alegría al final de Some Might Say, los pájaros antes de Don't Look Back In Anger, las dos Swampsongs, la voz de Liam, el helicóptero antes de Morning Glory, y el mellotron sosteniendo las notas para dar fin a las canciones. Es lo más grande que nos dejó Manchester en los 90's.
Slaves es una banda de la que se hablara mucho los próximos meses, son un dúo poderoso, pegajoso y contagioso. Y son nuestra nueva banda favorita, sin duda alguna.
Su futuro e inminente éxito, se ve trazado no sólo por el talento que desbordan, sino también por contar con el apoyo de la prensa británica, que ya los cataloga como banda del año. Dicha prensa no está del todo equivocada, Are You Satisfied? nos deja muy claro de lo que son capaces este par. Laurie Vincent (guitarra, coros y a veces el bajo) e Isaac Holman (batería y voz), tienen todo para convertirse en la nueva gran banda del mundo.
Desde los White Stripes y Black Keys, no ha habido un dúo que capture la atención de los medios, no a ese nivel de audiencia. En México en el ámbito underground hay una gran cantidad -y variedad- de bandas que apostaron por lanzarse al viaje con sólo dos miembros como base: Los Viejos, Cardiel y Terror Cósmico son los ejemplos más sobresalientes, pero también está Bar de Monjas, Experiencia del Paso por el Averno, Stalaktos y un gran etcétera. Pues bien, pareciera que en el Reino Unido están optando por este estándar: Sleaford Mods, Royal Blood y nuestros queridos Slaves son el claro ejemplo.
Are You Satisfied? es un álbum debut que raya en la perfección. Sencillo , pegajoso, ruidoso, y sin más pretención que hacerte mover los pies y cabeza. Además de contener los elementos que siempre he creído deben contener los discos perfectos: Grandes canciones, buena producción, y varios sentimientos embarrados a lo largo del álbum. Aquí hay enojo, apatía, alegría, valemadrismo, dolor, etc, etc.
Desde la canción que abre el disco The Hunter, quedarás embrujado. Todas las canciones tienen la posibilidad de convertirse en futuros singles, en verdad, todas. Despair and Traffic, y Do Something son las que más se acercan a ello, aunque parece ser que los 5 sencillos que ya han sacado son más que suficiente. Mi favorita es la que da nombre al álbum, no sólo por su sencillez, sino porque literalmente parte al disco en dos, y se sale totalmente del ritmo general del álbum. Es como Polly en el Nevermind de Nirvana, u Oceans en el Ten de Pearl Jam.
Guitarras de garage con gritos punks y mucho rock rasposo es lo que encontrarás aquí, como si mezclaras a The White Stripes, Arctic Monkeys, Crass y The Eighties Matchbox B-Line Disaster. Va directo a la lista de lo mejor del 2015, sin pensarlo dos veces.
Los singles y videos oficiales que han salido hasta el momento (en el orden en que aparecen en el álbum).
Después de 10 años de silencio, muchos extrañabamos ver y escuchar a Corin Tucker y Carrie Brownstein juntas, gracias a No Cities To Love (su octavo álbum), el primer mes de este 2015, la espera terminó.
Las bandas de chicas están teniendo un muy buen momento, sobre todo en el campo del rock. El regreso de Sleater-Kinney se da casi al mismo tiempo en que L7 y Babes In Toyland decidieron reformarse. El hecho de que estas tres bandas decidieran juntarse no es cuestión de casualidad, en gran medida es gracias al recibimiento que tuvieron hace un año, Savages, y The Punk Singer (documental sobre Kathleen Hanna, líder de Bikini Kill, Le Tigre y emblema de lo que se conoce como riot grrrl). Las bandas y el rock hecho por chicas no había tenido un momento así desde hace más de una década. Y al igual que L7 y Babes In Toyland, Sleater-Kinney lo tenía que aprovechar.
Su debut data de hace veinte años, su último álbum juntas, lo grabaron hace una década, y este año decidieron regresar con un excelente trabajo bajo el brazo. No Cities... nos demuestra -como muchos otros discos- que a veces un proyecto, por muy bueno que sea, se debe dejar descansar un par de años, para que vuelva a fraguar como antes, y a su regreso, la creatividad, energía y demás, vuelvan a estar y fluir al cien. Me duele decirlo porque soy muy fan, pero creo que Pearl Jam debería hacer eso.
El disco fue producido por su productor de cabecera John Goodmanson (Bikini Kill, Blonde Redhead). Sólo diez tracks, con treinta y dos minutos de puro punk, lleno de gritos, guitarrazos, coros pegajosos, baterías furiosas y melodías memorables.
Sin duda alguna, No Cities To Love va directo a los discos del año. Aquí abajo sabrás por qué.
Esto es lo más parecido a un single/video oficial.
La que da nombre al disco, cantada por varios famosos, a muchos de ellos los amas, y ellos aman a Sleater-Kinney, así que...
Mi favorita (versión en vivo).
Como siguen siendo punks, Sub-Pop (su disquera), lo sacó completo a través de su cuenta de You Tube, así que lo puedes escuchar completo aquí.
PD. Las Sleater-Kinney no usan bajo (no lo necesitan) y son: Carrie Brownstein - guitarra y voz, Corin Tucker - guitarra y voz, y Janet Weiss - batería.
Hace veinte años, exactamente un mes antes de que los medios anunciaran la muerte del grunge a raíz del suicidio de Kurt Cobain, Soundgarden publicó su cuarto álbum. Para muchos se trata de su mejor trabajo, se puede estar de acuerdo o no con esto, pero lo que es un hecho ineludible es que con este disco por fin fueron tomados en cuenta en las grandes ligas, además de que marca el estilo que seguirían manteniendo en el futuro.
Superunknown es el título de ésta maravilla, un trabajo sólido, largo (supera los 60 minutos) y muy ecléctico, características palpables en todos sus discos posteriores. Para los viejos fans de la banda -que esperaban algo más cercano al heavy metal- significó una decepción. Los reproches, quejas y mentadas de madre que se escucharon por parte de dichos fans, sólo es comparable a los que recibieron los miembros de Metallica cuando sus viejos fans thrashers escucharon por primera vez Nothing Else Matters. Otra de las críticas -absurdas- que recibieron los Soundagarden por parte de viejos fans ni siquiera tenía que ver con su nuevo sonido ni la música del disco sino con el hecho de que Chris Cornell (voz, guitarra) decidió cortar su larga cabellera. Pero al igual que cuando Phil Anselmo se rapó antes de que Pantera publicara Vulgar Display of Power, las pataletas y reclamos de dichos fans se vieron acalladas por la calidad de las canciones contenidas en el Superdesconocido.
Para Soundgarden su cuarto disco significa el momento cúspide de su carrera, no sólo a nivel creativo sino también comercial. A Pearl Jam le fue bien desde su primer álbum, a Alice In Chains y Nirvana a partir del segundo, pero parecía que el momento de Soundgarden no llegaría nunca, parecían estar condenados al olvido, destinados a la misma suerte que Mudhoney, Screaming Trees o Tad. La frustración que sentían se agrandaba al darse cuenta que grupos oportunistas que imitaban su sonido como Candlebox y Stone Temple Pilots tenían ventas millonarias, giras gigantescas y sonaban todo el tiempo en la radio y televisión.
De alguna forma el éxito de éste álbum estaba asegurado, con la impecable producción de Michael Beinhorn (Red Hot Chili Peppers) y la mezcla de Brendan O'Brien (Pearl Jam), canciones como Fell On Black Days, Black Hole Sun y Spoonman no tendrían problema alguno en convertirse en hits e incluso en clásicos instantáneos (y así fue). Además de estos tres tracks el álbum contiene un puñado de grandes canciones, en total son 16 cortes y ninguno te da la sensación de ser de relleno. Let Me Drown y My Wave son poderosas canciones de rock; Mailman escrita por Matt Cameron (batería) es la respuesta auditiva a la pregunta ¿qué es el gronch?; en Head Down y la ya mencionada Spoonman, Cameron nos da una cátedra de como golpear los tambores; The Day I Tried To Live tiene un riff y letra memorables, alguna vez Vernon Reid (Living Colour), dijo que esa canción le regresó la fe y amor por la música; Kickstand y la que da nombre al disco tienen algo de punk rasposo, sobre todo Kickstand, escrita por Kim Thayil (guitarra); 4th of July tiene un pesado y pantanoso riff que nos recuerda a Black Sabbath,si la escuchas sin la voz de Cornell podrías pensar que se trata de algún track de Sleep. Half escrita por Ben Shepherd (bajo), con sus tintes orientales nos remite a Led Zeppelin (banda con la que siempre habían sido comparados); Fresh Trendils, Limo Wreck y She Likes Surprises (canción no incluida en los primeros tirajes), contienen riffs orientales que con el tiempo se han convertido en sonidos recurrentes de la banda.
Cuando la fama llegó tampoco fueron del todo felices. Recibían demasiada atención y demasiada hipocresía. Lo que más encabronaba a Chris era que medios que jamás se habían fijado en él ahora lo ponían en sus portadas con la leyenda: 'La mejor voz de su generación', o peor aún, aparecía en las revistas para adolescentes con pies de foto como: 'Con sus ojos salvajes y su pinta de terrosista árabe, Chris es el pin up definitivo del mundo del rock'. Lo mismo le sucedía a Kim en las revistas de guitarra y a Matt en las de batería.
Riffs orientales, gritos, líneas de bajo pesadas y mucha experimentación en las percusiones son algunas de las características del Superunknown. La portada e interior del booklet no hacen más que reflejar la oscuridad y pesadez que envuelve a todo el disco, incluso a los cortes más comerciales como Black Hole Sun.
La banda prepara un par de ediciones para el aniversario de su álbum más importante: Superunknown20
No sé si son los mejores, los más vendidos o los más descargados, sólo sé, que de los 153 discos que escuché este año, estos 37 son los que me quitaron el sueño. Los podía escuchar -en su totalidad- una y otra vez, cosa que no pasó con los demás.
Los links te llevan a ver/escuchar uno de los singles del álbum en YouTube, a escuchar el disco en el Bandcamp de la banda, o a leer la reseña que le escribí en su momento. Disfrútalos.
