Korn - Korn

Para Suricato

Korn hoy en día es toda una marca registrada, pero hace dos décadas sólo unos cuantos confiaban en su importancia y calidad. Hoy se cumplen 20 años de su álbum debut, 20 años del álbum seminal de lo que conocemos como nu metal (o nü-metal).

   Korn fue grabado por la alineación clásica de la banda: Jonathan Davis - voz y gaita, James Shaffer 'Munky' - guitarra, Fieldy - bajo, Brian Welch 'Head' - guitarra, David Silveria - batería, y Ross Robinson como productor. Al resultado de esto se le ha imitado infinidad de veces, no sólo por bandas posteriores o contemporáneas a ellos, como Coal Chamber y System Of A Down sino también por bandas legendarias como Slayer y Sepultura, de hecho la obsesión de Max Cavalera por el sonido de las guitarras (de siete cuerdas) del debut de Korn, lo llevó a grabar Roots, invitar a Jon Davis en un track, a que Robinson produjera el álbum, y posteriormente a fundar Soulfly.   

   La escena metalera no los recibió bien en un principio, en gran parte por su apariencia y vestimenta, pero a los Korn poco les importó, pues ellos estaban por formar su propia escena. A este trabajo se le puede considerar el inicio del nu metal, guitarras densas, batería seca, bajo rimbombante, y cierto sonido inclinado hacía el hip hop son sus principales características, sin olvidar que en esta nueva forma de hacer metal no existen los solos de guitarra ni el doble bombo. A pesar de que nunca han contado con tornamesas de por medio, Munky y Head dan la sensación de sampleos y scratches tipo Public Enemy y Cypress Hill con sus guitarras. La batería suena seca y concisa en todo momento, mientras que el bajo tiene un gran protagonismo, incluso más que las guitarras, cosa que no sucede con el metal en general, ya que por lo regular el bajo ni siquiera se escucha. Aunado a esto la voz de Jon es de las más versátiles que existen, puede ser suave, fuerte e incluso tenebrosa, además de sus múltiples cambios de voz, Davis juega susurrando algunas frases mientras otras las grita o escupe con sonidos guturales, para muestra de ello basta con escuchar el track final Daddy, en especial su intro.

¿Estás listo?

   Para abrir su álbum debut, y por ende su carrera, Korn escribió una de las mejores canciones para abrir conciertos. Blind es perfecta y contiene todas las características del nu metal (incluso una especie de pequeño rap en el puente), comienza tranquila con las baquetas golpeando los platos y mientras avanza se van sumando cada uno de los instrumentos hasta que Jon hace explotar todo con una frase: Are you ready? La cual se ha convertido en su estandarte y grito de guerra. Sus vínculos con el hip hop se ven reflejados en Ball Tongue, Predictable y Helmet In The Bush; Divine y Lies son las más rápidas; Shoots And Ladders y su intro con gaita es otro de los hitos de la banda, desde ese momento en todos sus discos posteriores se incluirá -mínimo- una canción con gaita, también sobresale su letra, basada en títulos de canciones infantiles, que para nada son temas inocentes, de hecho esconden un significado bastante oscuro; mientras tanto Clown y Faget abarcan el complejo tema del bullying, sí, para todos aquellos que creían que el fenómeno del bullying era cosa nueva, pues no, desde hace dos décadas -e incluso más- ha sido tema para canciones. 

   La portada del álbum es todo un tema a tratar, sin duda una de las más tétricas que he visto si no es que la más. El concepto es muy sencillo: Es un día muy soleado, de frente tenemos a una niña en un columpio (está en el área de juegos de un parque), se pone la mano en la frente -a manera de visera- e intenta ver a un tipo que está frente a ella, del cual podemos ver su sombra en el piso junto a los columpios, junto a la sombra de la niña, junto al logo de la banda, dicho tipo somos nosotros. En la contraportada -a manera de close up- el columpio está en movimiento, sin la niña. Todos podemos tener un punto de vista diferente acerca de esta imagen, pero a mi me vienen a la mente escenas y situaciones muy fuertes: trata de blancas, secuestro, pornografía infantil, tráfico de órganos, y sobre todo, violación y abuso. Las letras de varias de sus canciones complementan estas ideas. El Korn de hace 20 años siempre me ha parecido muy oscuro y tenebroso. Entre el '96 y '97 salieron a tocar con el escenario lleno de muñecas de trapo, muñecas viejas y muñecas inflables colgando del techo o tiradas ahí en el suelo. Con esos shows se complementaba perfectamente la portada y sonido de su debut, el sonido del Life Is Peachy (más tétrico y oscuro aún), y su logo. En ese entonces daban la impresión de ser la banda perfecta para tocar en halloween.

   No tiene caso que les hable sobre todos los imitadores y oportunistas que copiaron esta idea y sonido, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo todavía siguen saliendo por debajo de las piedras bandas que pretenden o quieren sonar así. 20 años después ya son totalmente aceptados en la escena metalera, tocan y cierran festivales especializados en el género, el impacto de su disco homónimo es palpable, y como dije al principio, ya son toda una marca registrada.

Los videos en orden cronológico.

Snoop Doggy Dogg - Doggystyle

La historia del hip hop y sobre todo del rap de los 90's, no se puede contar sin este álbum. Hoy cumple exactamente dos décadas de haber llegado al mundo. 

   Semanas después de que el Wu-Tang Clan soltara su debut y de esa manera reactivara el rap en la east coast, un tipo delgado de Long Beach también haría acto de presencia. Dicho personaje respondía al nombre de Calvin Cordozar Broadus, Jr., Snoop Doggy Dogg era su nickname. No era para nada un desconocido, ya lo habíamos escuchado en un par de temas acompañado de su maestro y mentor Dr. Dre, creador del G-funk. Juntos perfeccionaron el sonido del debut de Dre: The Chronic, y lo llevaron a otro nivel, llevando al rap de la west coast hasta la cima del mainstream.

   Doggystyle es brillante en todos los sentidos, y parte de su grandeza es debido a la sencillez y honestidad de las letras. Frecuentemente es tachado y denigrado por contener exceso de violencia, misoginia y demás, sin embargo, Snoopy no intenta ser líder de opinión, ni ejemplo a seguir, simplemente nos habla de su vida y experiencias, y nos las narra de la única manera en que lo puede hacer: con jerga callejera (slang), malas palabras, prejuicios, etc. En todo momento su flow es devastador y enajenante. 

   Desde la portada -dibujo de Joe Cool- sabes de que va el álbum, cruda y fuerte realidad mezclada con mucho humor. Doggystyle contiene una cantidad enorme de interludios, skits y colaboraciones, entre las que destacan las de Warren G, Dr. Dre y Nate Dogg. Después del track que abre el disco, sigue G Funk Intro, en el que The Lady of Rage nos escupe rimas que no te permiten respirar. Gin And Juice contiene el coro más perfecto en la historia del rap, sin mayor objetivo que narrarnos su día a día, Snoop y Dre nos cantan: Rollin' down the street, smoking 'endo', sipping gin and juice. Laid back, (with my mind on my money and my money on my mind). Tha Shiznit con todo y su intro W Balls, es una maravilla, una vez que el bajo y la flauta te atrapan, jamás te sueltan. Lodi Dodi es es un cover al La Di Da Di de Dough E. Fresh, con unos leves cambios en la letra. Murder Was The Case se merecería un post propio, no sólo por lo grandioso de la canción sino por todo lo que derivó de ella. Murder... nos narra -en primer persona- la muerte y resurrección de un pandillero, después de vender su alma. La reelevancia viene porque mientras Snoop Dogg grababa el álbum, en agosto, fue acusado de homicidio, lo que disparó las ventas del álbum en cuanto salió. Los medios amarillistas lo vendían como 'el primer disco de gangsta que realmente narraba sobre lo que hacía su autor: matar gente'. Al siguiente año salió un mini documental sobre dicha canción, Snoop fue absuelto de los cargos en 1996.
   Serial Killer con sólo leer el título y escuchar el pequeño intro: Six millions ways to die, choose one!, sabes de que trata. Who I Am (What's My Name) y su irresistible sonido, se han convertido en los grandes culpables de la fama de Snoopy. For All My Niggaz & Bitches sigue la misma fórmula hipnótica, beats funk mezclados con una batería de rock duro y rimas tarareables. Ain't No Fun (If The hommies Can't Have None) es una rola grotesca, envuelta en una melodía pegajosa. Los coros -cantados por Nate Dogg- te engañan y hacen creer que estas frente a una canción tierna y sensual, pero la letra y rimas son todo lo contrario. Basta escuchar las primeras líneas que escupe Snoop: Guess who's back in tha motherfuckin' house, with a fat dick for your motherfuckin' mouth! Ya casi para cerrar llega Gz and Hustlas, con Betta Ask Somebody como intro, en éste, un maestro pregunta a sus alumnos: ¿qué quieren ser de grandes?, después de preguntar a un par de niños, le toca el turno a un pequeño que se hace llamar Snoop, éste responde: I wanna be a motherfucking hustla, ya better ask somebody! Con esa frase Doggy Dogg me compró por siempre. 

   Doggystyle rompió récords de ventas, en su momento fue el disco debut más vendido, con casi un millón de copias a la primer semana de su salida. Es un álbum tan grande que ni sus creadores han podido superar o igualar su calidad, la mayoría de sus colaboradores jamás volvieron a trabajar en un disco tan importante, ¿dónde está ahora The Lady of Rage?, por ejemplo. 

Los videos en el orden en que salieron, se ven horrible, pues no los han remasterizado.

Este sí se ve chido...

Los 50 minutos que cambiaron al rap, para siempre...

Pearl Jam - Vs.

Para Víctor 

Hace dos décadas, este era el disco más esperado (sólo debajo del In Utero de Nirvana). Las expectativas estaban al tope, la otra banda más grande de Seattle -y del mundo- regresaba con un nuevo trabajo, mucho mejor producido que el anterior y con la firme convicción de no querer agradar, ni quedar bien con nadie.

   Poca gente lo sabe pero su álbum debut Ten vendió más unidades que el Nevermind de Nirvana, ante este hecho, la prensa quiso crear una rivalidad entre ambas bandas. Así como en los sesentas lo hicieron con The Beatles y The Rolling Stones, de hecho a los Pearl Jam se les conocía bajo el ridículo seudónimo de Los Rolling Stones de Seattle. Sin embargo sus historias se entrelazan, e In Utero y Vs. tienen un sin fin de coincidencias, más de las que ambas bandas desearían. 

   La alineación que grabó este trabajo es la mejor que ha tenido el grupo. Eddie Vedder (vocales y guitarra en un par de temas), Stone Gossard (guitarra), Mike McCready (guitarra), Jeff Ament (bajo) y Dave Abbruzzese (batería), éste sería el primero de muchos reemplazos que tendrían en los tambores. Fue el primer álbum producido por Brendan O'Brien (les produciría muchos más). O'Brien fue elegido pues Ament y Gossard estaban enamorados de su trabajo con The Black Crowes, y porque mezcló el primer álbum de Brad, la banda alterna de Gossard. Adam Kasper aparece en los créditos como asistente igual que en In Utero. 

   O'Brien le dio al disco un sonido más duro, crudo y conciso que el que tiene su antecesor, cuando escuchas Vs., lo primero que te viene a la mente -como fan- es: 'ojalá Even Flow, Jeremy y Why Go Home hubieran sonado así'. La portada es una foto en blanco y negro de unas ovejas, tomada por Ament, que según él, simboliza como se sentía la banda respecto a la industria musical. Al igual que In Utero, Vs. cambió de nombre dos veces, primero iba a llamarse Five Against One, por la letra de Animal y porque ese era su sentimiento ante los medios, después iba a llamarse Pearl Jam, y finalmente, optaron por nombrarlo Vs., título que refleja perfectamente las letras y música que se puede encontrar en el disco. Vedder también ha dicho que se llama así, como homenaje al álbum del mismo nombre de sus ídolos Mission Of Burma. A raíz de que el cambio de nombre fue de último momento, existen varias ediciones que contienen el primer título, y otras en las que sólo aparece el nombre de la banda, hoy son todo un objeto de culto y colección.

   Otra coincidencia con Nirvana, era su falta de entusiasmo hacia el hecho de ser superestrellas, Cobain tomó la decisión de grabar un disco poco audible para las masas, 'aparentemente' los Pearl Jam no hicieron algo tan radical, pero tampoco se quedaron con las manos cruzadas. Y entonces decidieron no volver a grabar videos para la promoción de sus discos, si Daughter tuviera video, hubieran vendido el triple de copias. También dejaron de ofrecer entrevistas, de asistir a entregas de premios y programas de tv.

   El contenido de Vs. es muy ecléctico, nos lleva al éxtasis del mejor rock que has escuchado con Go (composición de Abbruzzese), que sin lugar a dudas contiene el intro más perfecto que he escuchado en la vida, además de un solo impresionante. Encuentras brutalidad y voces desgarradoras en Blood y Leash, un poco de funk en los puentes de Animal y Blood. Folk rock en Daughter y Elderly Woman Behind The Counter In A Small Town; percusiones hipnóticas en W.M.A., y más funk en la impecable línea de bajo de Rats. Mención aparte merecen las letras, algunas introspectivas y bellas, otras llenas de ira y hastío, de todas ellas sobresale la de Rearviewmirror. Los cambios de ritmo -y estilo- no siempre son placenteros, como cuando termina Daughter y comienza Glorified G, o cuando termina W.M.A. y empieza Blood. Para cerrar te topas con una canción bella e indescriptible que se hace llamar Indifference. Vs. salió a la venta el 19 de octubre, y a pesar de no contar con videos promocionales para el 26 ya había vendido 950, 378 copias en los Estados Unidos, imponiendo un nuevo récord de ventas. Para finales de 1993, oficialmente, Pearl Jam era la banda más grande del mundo...

   El video que aparece en PJTwenty, sobre como armaron Daughter (originalmente llamada Brother).

   Era junio de 1996, después de la muerte de Cobain, había dejado de escuchar música. Terminaban los playoffs de la NBA, y comenzaban las finales. Los dos equipos que competían por el campeonato eran los Toros de Chicago, líderados por Michael Jordan y los Supersonics de Seattle, comandados por Shawn Kemp. A Kemp le hicieron un pequeño promo con Go de fondo. Lo que sentí al volver a oír esas guitarras y gritos, no lo puedo describir con palabras. Volví a escuchar Vs., volví a escuchar discos, y como siempre, todo se fue acomodando por sí solo, para que muchos años después me encuentre aquí, escribiendo sobre el segundo disco de Pearl Jam en un blog.

Aquí lo escuchas completo...

Melvins - Houdini

Al escribir cualquier texto, siempre tengo en la mente la famosa frase del arquitecto Ludwig Mies van der Rohe: 'Menos es más', misma regla que es ejercida en el rock primigenio y el punk. Algunas veces por más que lo intento no puedo llevarla a cabo (les pude haber escrito otras cinco cuartillas sobre el In Utero de Nirvana, sin pedo alguno), pero siempre la tengo en mente, en mi forma de vestir, de comer y de consumir, espero poderla cumplir en este post.

   Se trata del vigésimo aniversario del quinto disco de los Melvins, King Buzzo (Roger 'Buzz' Osbourne), guitarra y voz, es el único miembro estable desde que se creó la banda en 1983, Dale Crover, batería, es el segundo miembro más viejo, entró en el '84. La banda ha cambiado muchas veces de bajista, venían de grabar el Lysol, con Joe Preston en el bajo, y en Houdini a pesar de que los créditos marcan a Lori Black 'Lorax' (hija de Shirley Temple) a cargo de las cuatro cuerdas, el Buzz en innumerables ocasiones ha dicho que el disco lo grabaron él y Dale, sin importar lo que digan los créditos.

   Cuando grabaron Houdini, la banda ya tenía diez años en activo, éste es su disco más comercial, conocido y accesible, en parte por el boom del rock alternativo, y en parte porque la mitad de los tracks están producidos por Kurt Cobain, además de que toca en un par de temas, la otra mitad los produjo la banda, la portada es de Frank Kozik y la mezcla corre a cargo de GGGarth. Cuando Nirvana se encontraba en pleno apogeo, Cobain - para sentirse un poco menos culpable por haberse vuelto mainstream - durante sus entrevistas y conciertos, siempre mencionaba o recomendaba a alguna banda under, a la par de tocar covers de éstas y/o usar playeras con sus logos, por ejemplo: sus covers a The Vaselines en Incesticide, a Fang en el Reading del '92, cuando invitó a los hermanos Kirkwood a tocar en su Unplugged y cuando posaba para fotos portando playeras de Flipper o Daniel Johnston. Pero con los Melvins lo unía un lazo más fuerte, era amigo de Buzz y de Dale, éste último grabó con Nirvana un puñado de temas, además de que Kurt en sus inicios en la música, había sido roadie de los Melvins, por eso aquí, el 'paro' fue mucho más personal.

   Hooch y Night Goat tienen apabullantes líneas de bajo, fuertes y espesas, riffs ensordecedores y una batería densa que parece que va a explotar tus bocinas en cualquier momento; Lizzy encaja a la perfección con ese momento histórico de la música popular, con esa cosa a la que nombraron 'gronch', y por ello tuvo una alta rotación en MTV; sigue su cover a Kiss, Goin' Blind, que nos sirve como preámbulo para el mejor track del disco, y uno de los mejores en la historia del rock; Honey Bucket, la maestría y complejidad con la que Dale toca la batería en el intro te deja boquiabierto, y sumado a ello las guitarras, más bien, guitarrotas, que sin duda alguna son de las cosas más excitantes que he escuchado en mi vida. Hag Me nos trae más densidad y riffs ensordecedores, un contraste total a Honey Bucket que es pura velocidad; le siguen Set Me Straight y Sky Pup, ésta última 'aparentemente' sólo tiene bajo, batería y voz, aunque en realidad, poco se le entinde a los balbuceos de Buzz; Joan of Arc y Teet nos regresan al principio, a esos Melvins que tanto amamos, sonidos lentos, aletargados y sumamente oscuros, el final de Teet siempre me ha lastimado los oídos; Copache, Pearl Bomb y Spread Eagle Beagle llegan para cerrar el disco, esta banda siempre está reinventando e innovando su sonido, experimentando todo el tiempo; Copache son dos minutos de mucha música y pocas letras; Pearl Bomb con un loop que parece el teclear de una máquina de escribir, tiene una bassline increíble, no tiene guitarras, y Osborne prácticamente susurra la letra; Spread... es un track de puras baterías, una de ellas tocada por Cobain, él produjo: Hooch, Set Me Straight, Sky Pup, Joan of Arc, Pearl Bomb y Spread..., además toca la guitarra en Sky... y las percusiones en Hooch.

   A Houdini le vendría muy bien una remasterización, es un álbum tan perfecto que en el 2006 lo grabaron en vivo, sin audiencia, con Trevor Dunn en el bajo y Lustmord como invitado en Spread..., salió bajo el nombre de A Live History of Gluttony and Lust. Actualmente el grupo está grabando un disco para festejar sus primeros treinta años de vida, con su baterista original: Mike Dillard, y Dale como bajista, llevará el grandioso nombre de Tres Cabrones, pero ese es otro cantar.

Los videos/singles...

El disco completo:

Si quieren saber más sobre el trabajo de Frank Kozik: FrankKozikArtist

Primus - Pork Soda

El tercer disco de Primus, cuarto si tomamos en cuenta el en vivo; Suck On This del '89, y quinto si contamos el Ep; Miscellaneous Debris del '92, llegó a los anaqueles de las tiendas de discos hace dos décadas, y yo no dudo un momento en afirmar, que es su mejor trabajo hasta el día de hoy.

    Pork Soda fue grabado y producido por la clásica y mejor alineación que ha tenido la banda: Les Claypool (bajo), Larry LaLonde (guitarra) y Tim 'Herb' Alexander (batería), y está mucho mejor producido que su antecesor; Sailing The Seas Of Cheese (que por cierto en mayo por fin saldrá remasterizado). La escultura de la portada fue hecha por Lance "Link" Montoya.  El disco transpira genialidad y virtuosismo a cada instante, cada uno de los Primus se luce en su instrumento, obviamente el bajo es el gran protagonista. 

    Para 1993 el término rock alternativo ya esta bastante sobado, pero aún era muy rentable, así que tanto Mtv como la radio comercial, programaron y rotaron los tres sencillos que se desprendieron del Pork Soda sin problema alguno, además que para ese entonces Claypool, LaLonde y 'Herb' ya eran conocidos y respetados en la escena rock gringa, y lo mejor y más díficl: ya contaban con un sonido propio, una mezcla extraña de metal, funk, country y rock.

    Leslie Edward es un obsesivo compulsivo - como quien escribe esto - y por ello toca de esa forma tan bestial y precisa, por eso tiene una gran cantidad de proyectos y colaboraciones alternas a su banda predilecta, y dos de sus grandes obsesiones son: los westerns y el sonido del banjo.

Pork Chop's Little Ditty (pequeño intro del disco) es una melodía con mandolina que se liga a My Name Is Mud, que con su intro puede reventar tus bocinas sin pedo alguno, Where are you goin' city boy?, se escucha justo antes del climáx y solo de LaLonde, la frase es un sampleo de Deliverance (1972), cinta en la que hay una 'guerra de banjos', Welcome To This World es la típica rola de la banda, con sonido caricaturesco. Las canciones lentas son mis favoritas, por su sonido crudo y oscuro, en Bob, por ejemplo, Larry suena como una sirena o alarma; con DMV, nos dejan claro que también tienen maestría para componer y tocar canciones rápidas, el intro de Claypool y los malabares de LaLonde se llevan las palmas en ésta; en The Ol' Diamondback Sturgeon (Fisherman's Chronicles, Part 3), la línea de bajo es muy rara, hipnotizante, creo que es la única que trae un solo de bajo, a la par, los tambores de 'Herb' suenan nítidos y fuertes, justo como debe sonar una batería de rock; Nature Boy es la única rola que su intro no es tocado por Les, y va de menos a más, Alexander se luce al final con sus redobles; Wounded Knee es un interludio instrumental, básicamente es 'Herb' tocando la marimba y batería; The Pressman es igual de lenta y oscura que Bob - e incluso un poco más - y sirve de preámbulo perfecto para esa joya memorabe que es Mr. Krinkle, ésta y Pork Soda (la rola) son un par de experimentos de algo que Claypool venía manejando desde tiempo atrás, pero que no se había atrevido a explotar: el uso de un contrabajo - tocado con arco - como eje y cuerpo para sus canciones, de aquí en adelante en todos los álbumes de Primus siempre viene por lo menos una canción con esta característica; The Air Is Getting Slippery también está tocada con contrabajo pero... sin arco y contiene un solo de banjo impecable, de alguna manera es la canción que cierra el disco, pues Hamburguer Train es más un jam - de ocho minutos - que una canción; Pork Chop's Little Ditty - de un minuto de duración - es la continuación de la que abre el disco y Hail Santa sólo son una línea de bajo y una campana de bicicleta.

    Refresco de Puerco es el mejor álbum que ha grabado Primus, es un álbum perfecto que cualquier melómano - y bajista en particular - debe conocer a la perfección.

Acá los tres singles con sus respectivos videos...

Dr. Dre - The Chronic

Este año Dr. Dre - junto a Snoop Dogg y un puñado de invitados - se comió el Festival Coachella, apadrinó a Kendrick Lamar y se convirtió en el músico con mayores ingresos del año (gracias a las ventas de sus audífonos), hace 20 años... grabó el mejor disco de hip-hop de la historia.

    Todo comenzó en 1985 en Compton, California. Andre Romelle Young formó una banda llamada World Class Wreckin' Cru, con una fama mínima ésta se desintegró y Andre bajo el seudónimo de Dr. Dre fundó NWA (Niggaz With Attitude) al lado de  Eazy-E, DJ Yella, Ice Cube, Arabian Prince y MC Ren y con dicho grupo prácticamente inventó el gangsta rap. Sólo aguantaron estar juntos hasta 1991, y aunque todos se lanzaron en carreras solistas sólo a tres de ellos les fue realmente bien. Eazy-E y Dre tuvieron una serie de disputas que iban desde amenazas de muerte y mentadas de madre, hasta canciones denigrándose mutuamente (el 50% de las rimas de The Chronic son insultos e indirectas para Eazy-E). Todo ello culminó el 24 de febrero del '95 con la muerte de Eazy, pero a finales del '92 tenían una guerra declarada, la cual fue llevada a las listas de popularidad y es por demás obvio quien ganó dicha riña.

    The Chronic es el debut de Dre como solista y fue editado bajo su sello discográfico: Death Row Records el cual fundó junto a Suge Knight y Dick Griffey, el álbum toma su nombre del slang con que se le conoce a la marihuana, incluso la portada es un homenaje al logo de Zig Zag (marca de 'sábanas' para forjar cigarrillos), así que, el consumo de cannabis, mujeres, delincuencia, misoginia, autos, violencia y falocentrismo son los temas recurrentes en este álbum. Hay un antes y un después de éste, en términos de producción y grabación sobre todo, estos ritmos funk y soul revueltos con flautas nostálgicas, dieron origen al llamado G-funk. La puerta quedó abierta y cientos de raperos copiaron el estilo, unos con más inteligencia y suerte que otros. 

    A mediados del '92 Dre nos había presentado un single al lado de su pupilo Snoop Doggy Dogg. Deep Cover era el nombre de esa canción y pertenecía al soundtrack de la cinta del mismo nombre, por ello cuando salió The Chronic, a nadie sorprendió que Snoop estuviera inmiscuido en todo el álbum, sin embargo no pudimos dejar de sentir cierta emoción cuando al inicio de Let Me Ride lo escuchamos por primera vez gritar su hoy ya clásico: "Biaaach!!!". Aparte de él tambien participan: Lady of Rage, Warren G, The D.O.C., RBX, Nate Dogg, Dat Nigga Daz y Kurupt, a la mitad de ellos les fue muy bien después de ser apadrinados por Dre, a la otra mitad pues... hoy ni siquiera recordaríamos sus nombres de no ser por su participación en The Chronic.

    En temas como Lil' Ghetto Boy hay una añoranza, genialidad y melancolía indescriptible; Fuck Wit Dre Day [que con un beat más veloz se convertiría en un éxito de Snoop Dogg (Who Am I (What's My Name)?)] te vuela la cabeza; Let Me Ride te hace sentir lo mismo, mientras Nuthin' But a 'G' Thang te hace desear ser un proxeneta y traficante sólo con el ritmo cadencioso de la rola, en contraparte Lyrical Gangbang con su sampleo a Led Zeppelin te obliga a menear la cabeza aunque no quieras. 

    Dre no es el mejor rapero del mundo, su flow y rimas para nada son sorprendentes, pero su oído para la producción y creación de ritmos y su visión y colmillo para los negocios son inmensos. Para que comprendan a que me refiero: dicen que cuando Black Sabbath canceló su presentación en Coachella los organizadores corrieron a ver a Dre y le entregaron un cheque en blanco para que se encargara del cierre del festival sin importar los gastos, éste invitó a sus amigos, e inclusive revivió a Tupac Shakur, aunado a esto, sacó a la venta una línea de audífonos diseñados por él. Un par de años después de la salida de su debut, abandonó Death Row, hizo que el Doggystyle de Snoop Doggy Dogg fuera un éxito, fundó su compañía: Aftermath Entertainment,  grabó un segundo disco y en el inter... inventó a Eminem.

    Alguna vez Angus Batey escribió: "Nos guste o no , un vistazo al hip-hop de la actualidad certificará que The Chronic puede ser el álbum hip-hop más influyente de todos los tiempos."

Los singles/videos de esta obra maestra, los que se encuentran en la red, en el orden en que salieron:

Hoy con Eazy-E muerto, esto ya no es tan gracioso...

Éste salió en el '99 en una de las re-ediciones de The Chronic, es mi favorita del álbum, jamás entendí porque no salió como single.

Rage Against The Machine - Rage Against The Machine

Para: Chacarlos

El sonido de Rage Against The Machine es la respuesta más cercana a la pregunta: ¿Qué resultaría de la mezcla entre MC5, The Clash y Public Enemy?, y su disco debut es el mejor ejemplo de ello.

    Con la puerta abierta a lo alternativo, fue fácil para los RATM hacerse de un público, y a pesar de la enorme cantidad de bandas oportunistas y copias baratas que atiborraban la radio y los medios, los Rage... eran una banda única, hoy nos custa trabajo entenderlo pues hay miles de bandas que rapean sobre una base rítmica de rock, pero hace 20 años sólo había un par de referencias; canciones sueltas de colaboraciones entre raperos y grupos de rock/metal y unas cuantas bandas underground, y aún así los Against The Machine llevaban dicha mezcla de rap y metal a otro nivel, al ser más duros y abordar temas sociopolíticos. 

    Al estar bajo el techo de una compañía multinacional el equipo que grabó el álbum es de ensueño, la banda o Guilty Parties (como aparecen en todos sus discos) son: Zack de la Rocha (vocales), Timmy C. (bajo), Brad Wilk (batería) y Tom Morello (guitarra), en Know Your Enemy están de invitados; Maynard James Keenan (Tool) y Stephen Perkins (Jane's Addiction), producido por GGGarth (Melvins, L7) y mezclado nada más y nada menos que por Andy Wallace. Siempre lo digo, un clásico rompemadres se nota desde su portada, en este caso es una foto de Malcolm Browne de un monje prendiéndose fuego. Incluso el nombre de la banda es chingón, aún sin saber el significado, fonéticamente es impresionante: ¡¡Reish Aguenst Dde Mashin!!

    Los gritos: "Jódete, no voy a hacer lo que dices" de Zack  al final de Killing in The Name, su súplica-exigencia: "No more lies" en Take the Power Back, la lista de enemigos en Know Your Enemy: "Compromise, conformity, assimilation, submission, ignorence, hyprocrisy, brutality, the elite", esa patada en el orgullo que es: "They say jump, you say how high" de Bullet In The Head, su susurro en Freedom: "Anger is a gift" y su forma de repetir una palabra u oración a manera de mantra, siguen causando escalofríos en cualquiera que los escuche.

    Los solos, riffs y la manera inovadora de tocar de Morello te sorprende en cada corte, el solo en Settle For Nothing es de una finura excelsa, en Know Your Enemy y Township Rebellion nos demuestra su virtuosismo, y los ruidos en Fistful Of Steel y Bullet In The Head te dejan sin habla pues no puedes creer que provengan de una guitarra común y corriente. El sonido de las líneas de bajo en Take The Power Back, Bullet In the Head y en general en todo el álbum sigue siendo imitado por prácticamente todos los grupos de rap metal, rap core, nu metal o como quieran llamarle. La línea de bajo de Township Rebellion es hipnotizante, el intro y final de Wake Up, son a mi parecer el clímax de la banda, es monumental y sigue siendo insuperable incluso para los mismos RATM. Fistful Of Steel es de las cosas más pesadas que he oído en mi vida. Y así en resumen, desde el intro in crescendo de Bombtrack hasta el noise destructivo al final de Freedom estamos frente a uno de esos discos que de una u otra forma les cambiara la vida.

    Vengo de una época y lugar en que no era nada fácil conseguir discos, ni revistas, y no tenía acceso a televisión de paga, así que cuando escuchaba esta maravilla a todo volumen encerrado en mi cuarto, veía la contraportada del booklet - una foto desenfocada de la banda tocando en vivo - e intentaba imaginar como serían las caras de estos cuatro cabrones que me volaban la cabeza. Conseguí este disco casi a la par del Vulgar Display Of Power de Pantera y los emparentaba mucho pues los dos cuentan con portadas impresionantes en blanco y negro - pasaba horas viéndolas - y me impresionaba que, en ambas agrupaciones, todos los riffs y solos eran hechos por un solo hombre.

    El próximo 27 de noviembre sale una caja para conmemorar estos primeros veinte años, Rage Against The Machine XX será su nombre y contendrá un montón de memorabilia y rarezas, además de que habrá tres versiones distintas de ésta y por supuesto el álbum vendrá remasterizado. 

    La mejor descripción que he leído sobre este disco es del Michael Woodsworth y dice: "Rage Against The Machine estalló en la música comercial como una versión musical de The Anarchist Cookbook."

 

Los cuatro videos/singles en el orden en que salieron.

Éscuchenlo a todo volumen y recuerden que (tal y como lo dicen en cada uno de sus discos): NO SAMPLES, KEYBOARDS OR SYNTHESIZERS USED IN THE MAKING OF THIS RECORDING. 

Reservoir Dogs

Hablar sobre Quentin Tarantino hoy en día es un tópico, todo mundo sabe quien es, que ha hecho y cuando se estrena su próxima cinta, pero hace 20 años su nombre era uno más del montón, lo único que se sabía de él era que había sido un empleaducho de una tienda de videos, que uno de sus guiones había impresionado a Harvey Keitel y que su ópera prima andaba rompiendo madres en todo festival donde se presentaba.

    El 23 de octubre del '92 Reservoir Dogs dejó de rondar festivales para por fin estrenarse a nivel popular, en un inicio Tarantino filmaría la cinta con un par de amigos, pero cuando una copia de su guión cayó en las manos de Keitel, éste quedó impresionado y no sólo acepto un papel en la película sino que consiguió gran apoyo ecónomico para ésta, fungiendo como co-productor. Hace dos décadas de su estreno comercial y aún sigue siendo un parteaguas por donde se le quiera ver, protagonizada por:  Michael Madsen (Mr. Blonde),  Eddie Bunker (Mr. Blue), Quentin Tarantino (Mr. Brown), Tim Roth (Mr. Orange), Steve Buscemi (Mr. Pink), Harvey Keitel (Mr. White), Lawrence Tierney (Joe Cabot) y Chris Penn (Nice Guy Eddie). Con dialogos memorables como el de Mr. Brown explicando el verdadero significado de Like A Virgen de Madonna; Mr. Pink diciéndonos porque no da propinas y rematando con la frase: "¿Sabes lo que es esto?... "¡Es el violín más pequeño del mundo tocando sólo para  las meseras!" o "¿Soy el único profesional aquí?, ¡Se comportan como negros!" y los vulgares chistes de Nice Guy Eddie: "¡Creo que el semen de los negros se te subió al cerebro!"; pero el que se lleva las palmas es sin duda Mr. Blonde diciéndole a Mr. White: "¿Vas a ladrar todo el día, perrito, o vas a morder?" ufffff.... 

    ¿Han notado que no sale ninguna mujer en ninguna escena?... y así como el grunge revivió el amor por los Converse, Reservoir Dogs revivió el amor por los Ray-Ban.

    A nosotros este film nos incumbe no sólo por lo mucho que admiramos a Tarantino sino porque dentro de la trama se inventa una estación de radio: K-Billy's Super Sounds of the Seventies, que como lo dice su nombre, transmite varias joyas olvidadas de aquella década. El soundtrack se puede considerar como el primero en su tipo; con citas del Dj de K-Billy Super... (Steven Wright) y extractos de dialogos de la cinta a manera de interludios, patrón que fue imitado hasta el cansancio por cientos de directores de cine durante la década antepasada.

    Sin más que agregar. Esta secuencia es magistral, y resume el lenguaje de Quentin a la perfección: Mr. Blonde le pregunta a su víctima si ha escuchado K-Billy's Super Sounds of the Seventies, la sintoniza, el locutor anuncia la próxima canción y da una descripción genial de ésta, Mr. Blonde sonríe al escuchar la guitarra de inicio, la línea de bajo entra exactamente cuando el rostro ensangrentado del policía Marvin Nash es enfocado y...
   
    

    

Alice In Chains - Dirt

Si alguna vez un 'nuevo' te pregunta: ¿Qué es el grunge?, no le digas que fue un nombre inventado por la industria para etiquetar un sonido crudo, denso, desolador y fatalista, ni que tuvo su origen allá en Seattle a finales de los 80's y principios de los 90's, simple y sencillamente ponle play a cualquier track de este álbum, el segundo en la carrera de Alice In Chains, neta, no hay nada en el mundo más grunge que esto. 

¿A qué suena el segundo disco de AIC?: ¡¡A Mugre!!!. 

AIC - junto a Soundgarden - fueron de las primeras bandas de Seattle firmadas por una multinacional, y tras el éxito del Nevermind de Nirvana, los Alice In Chains venían por su rebanada del pastel, las expectativas para su segundo disco eran muy altas; su primer trabajo: Facelift, con un sonido muy vinculado al heavy metal había recibido buenas críticas e ingresos, y en febrero del '92 sacaron su Ep: Sap, y aquí sembraron la duda de como sonaría el Dirt, pues dicho Ep es semi acústico, les servío de guiño para lo que años después sería su Unplugged, duda que fue despeja en cuanto salió Would? como parte del soundtrack de Singles de Cameron Crowe, unas semanas después, el 29 de septiembre de 1992 el Dirt salió a la luz y no decepciono a nadie sino todo lo contrario.

 A pesar de la pesadez y oscuridad que manejaban Layne Staley (vocales, guitarra), Jerry Cantrell (guitarra, vocales), Mike Starr (bajo) y Sean Kinney (tambores), el disco logró tener cinco singles con sus respectivos videos que tuvieron una alta rotación en la radio y MTV. 

El Mugre se puede dividir en dos: las canciones rompe cráneos con riffs impresionantes y baterías veloces como: Them Bones,  y Damn the River  y canciones sombrías, pesadas y lúgubres como: Rain When I Die, Rooster y Down In a Hole. 

Gracias a los riffs moustruosos de Cantrell, bandas pesadas como Metallica, Pantera y Slayer se declararon fans de la banda. Se dice que Godsmack decidió llamarse así en honor al track 9 de este trabajo, aunque Sully Erna - su vocalista - lo ha negado últimamente, pero bueno, a fin de cuentas; ¿A quién le interesa esa porquería de banda?.

La línea de bajo de Rain When I Die - que nos remité un poco a la de Monster de las L7 - junto a la guitarra de Cantrell y la voz  y letra de Staley, te desgarra el alma de principio a fin; el riff de la canción que da nombre al disco nos recuerda al de South of Heaven de Slayer, de hecho Tom Araya 'canta' en el track 10 que en un principio venía sin nombre (e incluso en las primeras ediciones ni siquiera venía enlistado), ya en las posteriores compilaciones y cajas lo títulan: Iron Glad o Intro (Dream Sequence).

Sobresale una canción; Angry Chair, con su riff perfecto, el bajo, batería y la combinación de voces entre Staley y Cantrell, a la par de frases rompe madres como: Pink cloud has now turned to gray... all that i want is to play... get on your knees time to pray, boy!!!". Tal vez ésta sea la mejor canción de la Alicia encadenada.

Las letras son aterradoras; muerte, adicción, depresión, soledad y dolor son los tópicos de éstas, y hoy nos podemos jactar de que Layne hablaba en serio sobre su deseo de morir, su muerte y la de Mike Starr nos dan la razón y como alguna vez público la Spin: "Hay una sinceridad brutal pero preocupante en las letras...". Por cierto, este el el último disco grabado con Starr pues para el '93 fue sustituido por Mike Inez.

No hay indicios de que salga una próxima reedición mucho menos una Deluxe Edition para conmemorar los 20 años de este disco, lo que me parece una verdadera lástima pues aunque está muy bien producido por Dave Jerden (Jane's Addiction, Social Distortion), una remasterización no le caería nada mal. 

La importancia del Dirt se puede medir en hechos: una década más tarde porquerías como Creed o Nickelback seguían intentando sonar a éste, sin siquiera rozar su grandeza. Salió a la venta el mismo día que Core debut de los insípidos Stone Temple Pilots y obviamente con el tiempo les fue mejor a éstos últimos, en ventas y proyección mediática, justo aquí el panorama comenzó a llenarse de oportunistas y copias baratas como: Silverchair, Bush, Candlebox y ni hablar de los látinos: Guillotina, Ex, Radio Kaos y una lista interminable... como todo ser viviente; desde el día en que la industria se sacó de la manga el término grunge, empezó a morir y las bandas arriba mencionadas serían la prueba de la decadencia y mediocridad en la que cayó dicho género durante los años posteriores. 

Acá los cinco videos en su orden de aparición... 

Would? lo dirige Cameron Crowe.

Por si no han tenido el gusto...

Sonic Youth - Dirty

Para: Alesita (que está muy lejos)

¿¿Hay en el mundo del rock seres más cool que los Sonic Youth???...

Hace 20 años que salió a la venta el Dirty, su segundo trabajo para la multinacional Geffen Records, la gran diferencia entre los otros discos de ese año que les he festejado su aniversario y este, es que en álbumes como el Check Your Head, Blues For The Red Sun o el Kiko, las expectativas eran muy bajas e incluso nulas, y por azares del destino, por el momento histórico en que se desarrollaron  y por la creatividad que desbordaban los creadores de dichos discos, les termino yendo bien, pero aquí no había expectativas bajas ni mucho menos el "factor sorpresa" de los ya mencionados, no, acá todo estaba "planeado" y acomodado para que el séptimo álbum del "Sonido Joven" fuera una de sus grandes obras.

¿Y cómo no iba a ser una maravilla?... En este trabajo los Youth siguen manteniendo su alineación clásica: Kim Gordon (bajo), Thurston Moore (guitarra y voz), Lee Ranaldo (guitarra y vocales) y Steve Shelley (tambores), además cuentan entre sus filas  - en un par de rolas - al Ian MacKaye (Minor Threat, Fugazi), Butch Vig como productor, Andy Wallace en la mezcla, Howie Weinberg en la masterización y al artista - en este año fallecido - Mike Kelley a cargo del arte del álbum.

Geffen les sugirió trabajar con la dupla Vig-Wallace, pues estos - al igual que Weinberg - venían de haber desatado la bomba (ellos son los genios detrás del sonido del Nevermind de Nirvana), y así, la Entertainment Weekly y varios medios más no dudaron en catalogar a Dirty, disco del año.

Para una banda que de una y mil formas ayudo a crear el movimiento alternativo y grunge, esta fue su manera de venir a reclamar su "rebanada del pastel", en este disco Renaldo y Moore hacen a un lado sus paisajes sonoros largos, para tocar un rock más violento y compacto, la mayoría de las canciones están  están más cerca del hardcore que del noise, sin duda es su gran obra de esa década, dejando muy atrás el pop rock del Goo de 1990.

Obviamente no supera a su Opus magnum: Daydream Nation del '88 (que hoy es considerada tesoro nacional e incluso pertenece al acervo del National Recording Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos), pero si representa un paso adelante en su discografía, ya de por sí prolífica, además de ser su gran retorno a la crudeza. 

A pesar de que siempre he estado en contra de los discos largos, los 59 minutos que dura este trabajo se van sin que te des cuenta, la Deluxe Edition que salió en el 2003, trae 4 tracks más - entre ellos mi favorito: Genetic - y un disco extra con demos y b-sides. Cuenta la leyenda que cuando se termino de grabar el disco y se escogieron las rolas que contendría éste, tenían 19 y debían ser menos, Genetic, escrita y cantada por Renaldo quedó fuera - por decisión de Gordon y Moore - Renaldo hizó un berrinche y llegó incluso a pensar en abandonar al grupo, al final ni dejó la banda ni tampoco apareció Genetic en el tracklist final.

Del Dirty se desprendieron cuatro singles: 100%, Youth Against Fascism, Sugar Kane y Drunken Butterfly, los cuatro tuvieron una alta rotación radial y por supuesto, la MTV los recibió con los brazos abiertos, sobre todo a 100% y Sugar Kane.

Todos lo feedbacks, riffs, solos, líneas de bajo y percusiones (gracias al Andy Wallace), suenan impresionantes, cada acorde suena avasallador, sobre todo los feedbacks, y como plus; las voces de Moore, Renaldo y Gordon jamás habían sonado tan bien.

Felices primeros 20 años al "Sucio"... les dejo los sencillos en orden de aparición.

Esta es la encargada de abrir el disco, está dedicada a su carnalito Joe Cole - quien había sido asesinado meses antes (el track 13: JC, está inspirado en su muerte), y es de los primeros videos del Spike Jonze.

En esta toca la guitarra; Ian MacKaye (él canta en el track 10: Nic Fit original de los Untouchables la banda de su hermanito Alec), mami Kim haciendo retumbar nuestras bocinas.

Acá burlandose de como de un día para otro, a raíz de la moda grunge; las camisas de franela, los Converse, las Dr. Martens, gorros y demás - que ellos compraban muy baratos e incluso usados - ahora se vendían en tiendas departamentales a precios estúpidamente caros, de hecho la ropa es de una línea llamada: Grunge Collection de Perry Ellis (no, no es broma), y sí, el video lo protagoniza Chloë Sevigny.

El intro y feedback de esta joya, me siguen pareciendo de las cosas más impresionantes que he oído hasta el día de hoy.

Por si ya se quedaron picados o nunca le han echado una oida a este monumento del noise rock, pues...
¿Qué esperan?.

Ministry - ΚΕΦΑΛΗΞΘ (Psalm 69: The Way To Succeed And The Way To Suck Eggs)

Para: Pablo

 El 14 de julio de 1992 llegó a las tiendas un disco que en su portada no portaba el nombre ni del título de éste ni de la banda a la que pertenecía, ΚΕΦΑΛΗΞΘ (que significa en griego: κεφαλή; "cabeza" y  ΞΘ; 69) aparecía en la parte lateral, conocido bajo el nombre de: Psalm 69: The Way to Succeed and the Way to Suck Eggs, título alterno emparentado directamente con el cápitulo 69 del libro: The Book of Lies de Aleister Crowley, quien usa dicha frase para referirse a lo que todos conocemos como: "hacer el 69". Con esto a manera de prefacio, hoy -20 años después - el quinto trabajo de Ministry, sigue siendo un parteaguas no sólo en la carrera de la banda sino de la música popular en si.

Al Jourgensen (vocales, guitarra y teclados) y Paul Barker (bajo y programación), apenas tenían dos discos y un par de años trabajando juntos, el Mike Scaccia les echo la mano con los riffs y Bill Rieflin con la batería. 

A Ministry le pasó lo mismo que a los Beastie Boys con su Check Your Head y a White Zombie con La Sexorcisto: Devil Music, Vol. 1, Psalm 69 es su entrada a las grandes ligas y en cualquier otro momento de la historia este álbum se hubiera quedado rezagado y sería un simple objeto de culto para los conocedores, pero en 1992, en ese momento en que "todo" se valía pues este trabajo embonó a la perfección con la invasion de la música alternativa al mainstream, gracias a ello salieron tres sencillos del disco, N.W.O., Just One Fix y Jesus Built My Hotrod, ésta última con un video que tuvo alta rotación en la MTV. No es su mejor trabajo (creo que ese lugar lo ocupa el The Land of Rape and Honey del '86), sin embargo sí es en donde llevaron al límite sus exploraciones sonoras, decir que es un álbum de industrial sería encasillarlo muy injustamente pues es un álbum muy ecléctico, y nos deja ver todas las etapas anteriores - y posteriores - de la banda, resumidas en tan solo 9 canciones y 45 minutos.

Industrial, thrash, punk, rock, metal, noise, sirenas de guerra, sampleos de decenas de peliculas y documentales, frases del imbécil George Bush padre, Sinatra,  Burroughs, etc, etc... todo se funde y conjuga aquí, Paul Elledge estuvo a cargo del arte del disco, las líneas de bajo de Baker son memorables en todo momento, los riffs y solos de Scaccia, las letras nihilistas e incendiarias de Jourgensen, Jesus Built My Hotrod con el Gibby Haynes (Butthole Surfers) de invitado, Scare Crow (que en la parte media nos remite al How Soon Is Now de The Smiths) y el riff de salida de Just One Fix (sospechosamente parecido al de South Of Heaven de Slayer) les aseguraron su lugar dentro de la cultura popular gringa (y mundial, tiempo después).

 Producido impecablemente por Hypo Luxa (seudónimo de Al) y Hermes Pan (seudónimo de Paul), creo que le urge una remasterización pues muchos discos "menores" creativa y musicalmente suenan mejor que Psalm 69, este 20 aniversario debería ser el pretexto perfecto pero... como el Jourgensen lleva años peleado con su anterior disquera y pues no se ve que les interese reeditarlo, mucho menos armarle una edición de lujo. 

Sin más que agregar... acá van los tres singles - en el orden en que salieron - que se desprendieron de esta obra maestra del ruido.

Esto es justo lo que necesitamos en estos momentos... un nuevo orden mundial.

Acá sale el Burroughs tirando el rostro.

Y como bien dijo alguna vez  Andrew Tijs: "Olviden a Marilyn Manson, puesto que nada en la música norteamericana ha sonado tan monumental, apocalíptico y perverso como Psalm 69".

Kyuss - Blues For The Red Sun

Hoy se cumplen 20 años de que esta maravilla llegó a las tiendas, y parafraseando - por millonésima vez - al WARpig: "Que díficil es escribir sobre algo que se quiere tanto".

A mediados de 1992, MTV y la radio comercial, ya no eran lo mismo, atrás habían quedado los días en que bandas como Mötley Crüe, Poison y toda esa mierda - erróneamente - conocidas como; glam, atiborraban la programación, articulos y portadas de los medios musicales, ahora "todo" estaba permitido, casi como en el '77 cuando el punk cambió las reglas del juego, a Nirvana, con su Nevermind, le tocó destapar la cloaca y de pronto, todos aquellos grupos que no aspiraban más que a grabar un par de discos y tocar en bares y clubes por el resto de sus días, ahora podían llenar estadios, grabar videos, firmar jugosos contratos millonarios y salir en la televisión. Todo sonaba emocionante, cada semana salían a la luz bandas que te volaban la cabeza, una que otra prefabricada y sin chiste, como siempre, pero la gran mayoría de gran calidad.

En ese momento historico, en  Palm Desert, California, se había estado gestando un movimiento y género al que se denomino: Stoner Rock, por sus tintes psicodélicos e íntimas conexiones con el uso de la cannabis y drogas alucinógenas, dicho estilo músical era encabezado - y prácticamente inventado - por una banda que en sus inicios se llamó: Katzenjammer, despúes; Sons of Kyuss y por último, simplemente: Kyuss.

Su primer alineación oficial - la mejor que jamás tuvieron - consistía en: John Garcia (vocalista), Brant Bjork (batería), Nick Oliveri (bajo) y Josh Homme (guitarra), para inicios del '92, Kyuss ya traía bajo el brazo un Lp (Wretch de 1991) y un Ep, éste bajo el nombre de Sons of Kyuss, sin embargo, con los antecedentes poco favorables de su primer álbum, en cuanto a ventas y críticas, nadie daba mucho por ellos y mucho menos se podían imaginar lo que estaba por suceder, se fueron al Sound City Studios en Van Nuys, California - donde por cierto se grabó parte del Nevermind - y ahí grabaron el disco que define a la perfección el termino; Stoner, y sin duda alguna el mejor álbum no sólo de los Kyuss sino de todo el Stoner Rock en general.

Aunque para estos momentos ya estaba a la venta el Spine of God de Monster Magnet, Kyuss creó un trabajo tan perfecto que inmediatamente se erigieron como la banda más representativa e importante del movimiento Stoner, pues a la par de la pesadez y complejidad de sus rolas, también tenían un gancho pegajoso que bandas como los ya mencionados, no poseían, y entonces gracias a ello pudieron colar un par de videos a la MTV y al Much Music.

Muy al contrario de lo que se conoce como. "la maldición del segundo disco", este trabajo los consolidó como los grandes músicos, compositores y creadores que son (una vez separada la banda, nos lo demostrarían con la cantidad de proyectos que cada uno de sus ex-miembros formó).

Todo el álbum - incluyendo Yeah de cuatro segundos de duración - es incréible, una genial mezcla de psicodelia, rock espacial, grunge, doom y metal, el sonido lo consiguió Homme, conectando su guitarra a un amplificador de bajo y unos pedales wah-wah, y esos riffs y solos - como siempre lo he dicho - son de las cosas más originales en la historia, las líneas de bajo de Oliveri (siempre me he preguntado, ¿Por qué le tiran tanta mierda a gente como Jason Newsted, por usar plumilla y al Nick no?), son una mezcla entre funk y groove, perfectos para acompañar los riffs del Joshua, la batería del Bjork, suena maciza y concisa a todo momento, a pesar del sonido tan grave que se escucha en su totalidad, se alcanzan a percibir perfectamente los contras, tarola y bombo, uffffff, y todo esto con el plus vocal y letristico de Garcia (diría que fue su mejor momento, pero después con Unida y Hermano nos demostró que su rango vocal daba para mucho más).

Kyuss es de esas bandas perfectas, no sólo cada uno de los miembros maneja a la perfrección su instrumento, sino que además, todos son compositores y están sumamente involucrados en lo que hacen, por ejemplo, el concepto de este álbum fue idea del Brant Bjork, Blues For The Red Sun se los produjo Chris Goss (Masters of Reality).

¿Tiene caso seguirlos choreando y describirles el álbum, rola por rola?, yo creo que no. 

El track 5, con su mítico coro: "I hate slow songs!!!". Ver a Oliveri con el cabello largo, sigue siendo de las cosas más raras para los fans de Queens Of The Stone Age, y el John con su camisa de franela, asegurando así - al menos de primera vista - que los grungeros los voltearan a ver.

Este es el track 2 y lo compusó Bjork... en el video ya no sale Oliveri, pues un poco después de que terminaran el disco su padre falleció y decidió abandonar la banda, lo sustituyó: Scott Reeder (The Obsessed), con sus incréibles dedos-púas.

Si por alguna extraña razón nunca han escuchado esta obra maestra del rock gringo, este es el momento, así de paso, si me ven por la calle o en una peda, no me volverán a preguntar: "¿Qué significa Kyuss?" y "¿Por qué lo traes tatuado en el cuello?"...